Anti Determinista

Jónsi e Marley

2012-01-20T21:09:00.000-02:00

Ano passado eu assisti a Go Quiet, do vocalista da banda Islandesa Sigur Rós, Jónsi. É uma belíssima releitura das músicas de seu próprio disco solo, Go, em versões minimalistas filmadas em sua casa, ou pelo menos em ambientes que sinalizam conforto semelhante para o artista. Grande músico, Jónsi dedilha violões, pianos e até um órgão que exige de seus pés o constante controle de ar dos foles, todos com naturalidade semelhante à com que sua voz se mistura aos instrumentos e se infiltra na consciência de quem o ouve. Seu timbre e sua entonação sinalizam algo maternal que confere a suas pontuações acerca do comportamento humano uma tonalidade de compreensão mais que de julgamento, o que faz dele a escolha de pessoas mundo afora após um dia cheio para aplainar as idéias.

A peculiaridade de suas escolhas de caminhos melódicos sempre me chamou a atenção. O processo para entendê-lo foi para mim semelhante ao processo para entender Bob Marley, talvez só por terem sido exóticos inicialmente. Dei crédito à teoria intuitiva. Costumo fazer isso por acreditar que não compreendemos até que ponto não estamos analisando as coisas mais profundamente que sabemos, e não sei se terei este caso para me refutar ou não.

A convergência das mentes destes artistas parece estar na detecção de problemas semelhantes da humanidade. O rumo que cada um toma faz as retas se inclinarem e se tocarem, por um lado, compreensiva e branda, por outro, protestante e violenta quando/se necessário. Pensei em polarizar as abordagens como feminina e masculina até perceber o quanto isso teria sido arbitrário. Ainda assim, pensar em suas características como reflexos opostos ajuda a entender melhor essa intersecção.

A música tem seu componente ying-yang, ainda outra vez, se fizermos um esforço para ver isso. Ára bátur, do Sigur Rós, uma música chamada Barco a Remo... Um conceito simples consegue estruturar uma produção que reflete uma cultura que cultua seus espaços vazios, a contemplação e o pacato - mesmo quando serve de analogia para o distanciamento entre pessoas. Como Jamming, uma metáfora simples que compara as jam sessions (quando os caras improvisam um som) à vida e como temos de fazer escolhas diárias e imediatas como a escolha das notas intuitivas, sem muito tempo para pensar, sendo a espontaneidade imposta responsável por produzir algo verdadeiro. As próprias definições, ou conjunto de características notáveis nos trabalhos das bandas parecem se polarizar assim, a música do Sigur Rós límpida e grandiosa pra cá, o reggae improvisado e fraturado pra lá.

É claro que eu podia manipular a realidade mais um pouco e tentar mostrá-la como a vejo para vocês de um jeito mais detalhado. Contudo, não quero impor - nem no blog - uma visão em que não acredito piamente. Fico feliz pela idéia intuitiva ter sido suficiente para que chegasse com o texto até aqui. No vídeo abaixo, um trecho de Go Quiet, Tornado, pode ser mais elucidativa que Ára bátur por ser cantada em inglês, mas o hopelandic - a tal da mistura de islandês, ou icelandic + esperança, ou hope, que consiste na mistura do idioma islandês com técnicas de improvisação que músicos usam para ir 'falando qualquer coisa' enquanto ainda não têm uma letra para uma música mas querem criar uma linha vocal - pode ser surpreendentemente expressivo. De qualquer maneira, cantar em inglês define com mais precisão a temática para a maioria dos ouvidos não fluentes em islandês. Em Tornado, a carga de compreensão mais do que de julgamento do discurso de Jónsi de que falei antes fica clara.

Sobre Cigarros e Cercas [5]

2012-01-19T19:52:00.000-02:00

this is not going to come out today, man. fuck this shit, i don't think i have anything else to say. i wish that everybody minded their own and only business, and that organic marijuana could be a Jamaican commmoditie. Life's not like that because the world is full of idiots. Idiots who would rather trust immediate and thoughtless reactions other than using their mind and common sense to evaluate the issues and virtues of everyday shit. people who would rather live with (sometimes not that much) pre-thought rules, values, whatever, and somehow this Insanity makes me smoke this shit other than some stinky fat and beautiful White Widow. Man, that really pisses me off...

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Como farei para viver? Um mundo completamente novo, uma nova piscina de possibilidades se enche diante de mim, o futuro parece...

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"Fio, vai buscar uma guaraná geladinha pra mãe no beer?"

"Sem problema!"
[a voz do garoto é levemente fanha, sua entonação, um misto de coitado e estúpido]

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"Dois idiotas em uma uma bicicleta..."

Jow e seu irmão riem antes da história conseguir se iniciar, como também fizeram num universo anteriormente abordado, por alguns bons minutos.

"Cara, essa maconha é muito boa! Ela dá uma brisa muito consciente, como se o mundo girasse a meu redor e os detalhes fossem todos claros e se cristalizassem com facilidade na minha frente. Não o mundo, planeta. Algo como esse lugar, ou o que estiver na cabeça."

"Pode crer, cara. Acho que você perde um pouco o poder de direcionar qual será a próxima coisa na sua cabeça, mas mantém uma atenção maior que a comum sobre o que quer que pipoque no olho da mente. Sempre tive essa impressão... Mas, cara, você não falou dos idiotas!"

"Ah, os idiotas..."

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"Fabinho!"

Maicon chamou por seu amigo ainda algumas vezes e estranhou a demora, estranheza confirmada pela cara de choro do amigo.

"Que foi, mano?"

"Ah, roubaram minha bike. Ontem dei um rolê com uns amigos, guardei em casa, agora há pouco fui procurar e... já era, mano, levaram mesmo, já revirei essa casa!

"Ah... quer ir na garupa, então? Tava indo buscar um refri pra minha mãe no beer."

"... Demoro, vamo lá"

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"A Barra Forte vermelha da mãe de Maicon reluzia com o sol das 7, do horário de verão. Com expressão corajosa, o menino Fabinho seca as lagrimas e monta na garupa."

Após dizer isso, Jow olha brevemente para o horizonte e faz que não com a cabeça.

"O quê?"

"Nada, esquece... Então, cara, peguei a Camila e o Caio na casa deles e fui em direção ao bar pela avenida. No fim daquela descidona tem uma lombada gigantesca, né? Pois uns cinco segundos antes de passar pela lombada, vi o casal de cientistas anarquistas juvenis passando entre meu carro e a guia, um na garupa, pés na pedaleira e de costas para o outro, no piloto com um refrigerante pendurado por uma sacola no lado direito do guidão.

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Enquanto, desta vez, o pneu da frente da bicicleta bate em cheio na casca de tartaruga do chão, a fina sacola plástica se rompe. Isso não evitou a ejeção do passageiro de outrora, mas poupou Maicon e seus dentes separados e levemente inclinados para a frente, expostos agora àquele mesmo sol das sete e pouco no horário de verão, enquanto sua risada aguda ecoava pelas paredes a desgraça superficial e ardida do amigo, sem total consciência da não gravidade do assunto, mas incapaz de conter o riso causado pela memória de segundos atrás. Um misto de alívio e senso de humor mórbido, natural até mesmo (ou principalmente?) ao garotinho de cara inocente.

Late Night Music - Louis Armstrong plays W. C. Handy

2011-10-18T01:19:00.002-02:00

Sabe aquela coisa que você não faz por querer.. minha intenção era dormir, mas antes disso, zapeando pelas minhas músicas no agora menos utilizado notebook - em detrimento de um novo PC, porém ainda meu favorito para escrever -, vi um disco que tinha ouvido já há tanto tempo que nem me lembrava mais o que tinha achado, esse Louis Armstrong plays W. C. Handy. Foi um grato presente do acaso, apesar de novamente atrasar meus planos em escrever sobre bandas que tocarão no Brasil no fim do ano nos festivais vindouros. Um grato presente, também apesar de novamente atrasar o meu sono, já fodido em grande parte pela mudança de horário. Mas é melhor que achar dinheiro no bolso, essa história de achar música boa perdida no computador.

No Semióticas você pode ler uma resenha sobre 'Pops',
biografia do cantor e trompetista, em um texto muito interessante.

Não somente por achar um bom disco do Louis Armstrong, algo relativamente fácil. Os extras tão fartos da versão (vinil duplo) disponibilizada na foto contém sequências memoráveis e somam-se ao grande repertório, exclusivo de Handy. A entrevista é outro presente: o audivelmente idoso e sábio compositor fala ao produtor do disco, George Avakian, sobre suas impressões e as da imprensa da época acerca de Louis, seu talento e sua personalidade. Pops e seu jeito de cantar sorrindo não contagiam apenas a nós. Risadas espontâneas no clima mais relaxado do ensaio são ouvidas, a interação entre os músicos é mais notável, como numa apresentação ao vivo. Em geral, sentem-se à vontade para experimentar e improvisar nos ensaios de maneira mais solta, até para um desfecho melódico menos agradável às vezes, mas nunca menos para o real ou humano. Deixo em streaming a versão de ensaio de Loveless Love, na qual Satchmo e Velma Middleton cantam um pouco mais baixo, um dialogo bem humorado e afinado, sem deixar de mencionar os All Stars, time virtuosíssimo do trompetista cujo nome cai tão bem. Assim você terá de baixar o disco pra ouvir a entrevista ou mesmo a piada que Louis conta sob disfarce de uma história de sua infância. Cara carismático...

Como selecionar as maiores pérolas do repertório seria tão penoso quanto tentar escrever sobre todas elas e eu preciso dormir, eu vou dormir. Boa noite! Espero que curta o disco.

Loveless Love (rehearsal sequence)

Late Night Music - Money Jungle

2011-10-01T18:12:00.003-03:00

clique sobre a foto ou aqui para baixar o disco

Boa tarde,

Eduard Kennedy 'Duke' Ellington, pianista de Washington, DC, um dos maiores compositores da história do jazz, uniu-se ao baixista de mesmo calibre do seu, Charles Mingus e ao grandíssimo baterista do beebop, Max Roach, para gravar Money Jungle em Setembro de 62, há quase 40 anos! O número limitado de instrumentos não serve de muro para nada. Pelo contrário, os músicos souberam se utilizar de eventuais pausas alheias para alongar notas, quebrar o ritmo ou apreciar a beleza do silêncio de diversas composições, em sua grande maioria do pianista.

O piano é um instrumento muito completo, não é à toa que grande parte dos compositores dão vazão a seus impulsos criativos nas teclas brancas e pretas. Parece ser o instrumento com disposição mais formal e organizada das notas, o que o faz onipresente nas gravações dos mais diversos gêneros em estúdio. Além disso, a consistência e o volume de seu timbre permitem momentos em um disco como Solitude, uma das obras-primas de Duke Ellington, abordada em dois diferentes takes com maestria e isolamento do compositor no início das duas faixas. Vinícius de Moraes era quem falava, 'pra que eu vou querer um cara no piano se ele não for triste'...

Backward Countryboy Blues, de fato, parece ser tocada ao contrário. Em uma linha de contrabaixo extremamente agressiva, Charles Mingus justifica sua fama de "zangado homem do jazz", interagindo com intervenções de um Duke Ellington do velho oeste, faceta permeada em outras faixas do álbum. A Little Max é a faixa em que o trabalho do baterista fica mais evidente, obviamente. Sua influência na montagem das peças, expressa em adornos de seções ou mesmo viradas entre elas fica toda caricaturizada nas duas versões da composição. O experimentalismo parece ditar o tom da postura dos músicos em todo o Money Jungle.

Baixo e bateria são considerados a seção rítmica do jazz. O trio pode ser polarizado desta maneira - Duke pra cá, eles pra lá - mais que de maneira exclusivamente normativa. A intensidade e o volume com que tocam Roach e Mingus não apenas se contrapõem ao estilo do grande compositor, obrigam-no a sair de sua zona conforto, mais elegante e delicada. Assim, em alguns momentos o ofício do pianista passa a ser lutar por um faixa audível no espectro musical de diversas peças, tarefa oposta à que normalmente se impõe, de abafar a característica 'solo' do instrumento. Obviamente, o sr. Ellington estava à altura do trabalho.

Fleurette Africane (African Flower) tem a beleza de seu título honrada justamente por esta interação bipolar. Ellington e Mingus espiralizam-se numa melodia delicada e fraturada. O contra-baixo parece descontínuo para aqueles que não sabem apreciar os breves segundos de silencio entre seus velozes devaneios. Duke sabe, deixa as notas se prolongarem, dando uma tonalidade azul interessante para a música. Interage com o contrabaixista, sentem-se à vontade em experimentar dentro do teórica e erroneamente suposto limitado horizonte criativo para um trio. Trata-se claramente de um estúdio lotado de egos inflados, ok, mas que se respeitam mutuamente e cujos trabalhos se completam de maneira grandiosa. Escute à noite.

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Post dedicado à minha irmã, Nana.

Russian Red Write About Love

2011-09-15T23:46:00.000-03:00

O revival do anos 90, até agora, parece ser o motor criativo das bandas nessa nova década que se inicia: o disco homônimo do Yuck surge como símbolo da retomada, remetendo-nos às microfonias de Pavement e My Bloody Valentine. A evidência do revival não se limita a estes exemplos, basta considerar o sucesso atual do Foo Fighters, a vinda de bandas como Stone Temple Pilots, Alice in Chains e Primal Scream para o Brasil... É aquela coisa cíclica dos 20 anos.

Fuerteventura é um grande achado de 2011, da belíssima Lourdes Hernandez sob identidade de Russian Red. Passeando pelo folk e pelo indie com muita graça, a cantora explora melodias melancólicas, apaixonadas e saudosas ao som de polígonos de acordes pop. Quase sempre sobre o amor, as músicas deixam transparecer uma influência de Belle & Sebastian, especialmente pela qualidade das letras neste aspecto. A moldura noventista já chama a atenção na segunda faixa, The Sun The Trees, com uma intrudução vocal extremamente apropriada para a temática de saudade e de arrependimento, colocada em subjetivos termos pela senhorita Hernandez:

"The sun fill the kitchen in my house
it's warm and cosy and it helps me breathe
and I wonder if you're making people laugh
cause you're funny, you're funny"

Logo na sequência, talvez o maior single do disco, I Hate You But I Love You. Não é a minha favorita, mas reconheço o apelo radiofônico, por mais ultrapassado que isso possa soar. As maneiras sutilmente diferentes como ela prolonga algumas sílabas expressam a infantilidade do platonismo retratado na música. Vende fácil como uma comédia romântica, sem as chatices típicas do gênero. Talvez seja melhor pensar em Russian Red como uma musa do Woody Allen.

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The Memory is Cruel é melancólica, simples e suficientemente. A linha de piano, tão delicada e triste, redunda em um da-ra-rá-ra no refrão, uma poesia escrita sem palavras no ar invisível, ornamentada por pinceladas bastante silenciosas e econômicas da guitarra. Aqui a influência de Belle & Sebastian também é clara, na temática (ah, vá!) e melodicamente, em especial. A voz de Lourdes é muito bonita, parece a Hope Sandoval na maneira como transforma qualquer coração de pedra em manteiga com suas escolhas de entonações para as frases; lembra também a Joanna Newsom na facilidade e espontaneidade com que eleva sua frequência vocal em um curto espaço de tempo.

A Hat é a boa e velha cereja do bolo. A cantora simplesmente ignora o fato de que o violão está oscilando apenas em três ou cinco notas e se solta em devaneios amplos sobre o silêncio de palavras vazias de pessoa evasiva. Forte candidata a melhor música de 2011 na opinião deste que vos fala, ainda esperando o novo som da nova década e deixando o link para o Fuerteventura ali na foto.

Rei Momo

2011-08-28T16:13:00.004-03:00

David Byrne, escocês de Dumbarton, nascido a 14 de maio de 52, co-fundador do Talking Heads em 74 (já em Nova Iorque), é um cara relativamente conhecido pelas bandas de cá do Atlântico, não tanto quanto nas de cima. Sua capacidade cênica em palco tem uma maneira de se expressar em seu modo de cantar, com entonações teatrais improváveis, por vezes muito engraçadas. Esta característica parece ter sido de grande importância para o próprio conceito do Talking Heads, parece haver uma sintonia muito precisa de pensamentos entre os membros da banda. Ouvir o contrabaixo de Tina Weymouth rodando em volta de Byrne em tantos momentos do 77 é uma maneira simples de exemplificar.

Em Rei Momo, Byrne reforça sua característica de ator/cantor. Passando por diversos ritmos da América Latina, o artista tem muitos músicos competentes a seu redor e permite que sua mutabilidade natural possa interagir com diversas músicas. Não direi que poderia criticar de maneira precisa suas abordagens de muitos ritmos do disco para mim até então desconhecidos. Mas creio que uma generalização da qualidade tomando por amostra os gêneros mais familiares não seja de todo imprecisa.

Começo, óbvio, pelo samba Don't want to be part of your world, que é um sambinha bom de ouvir, rapaz. O trabalho de percussão parece ter tido consultoria da bateria da Mangueira, e o cavaquinho come solto soltando batidas de acordes de uma maneira bem fluída e outros arranjos muito caprichados tanto das cordas quanto dos metais. O pagode, Office cowboy, também ficou bem legal, com um cavaco mais batido que o do samba. A guitarra slide, aguda como uma havaiana é quase uma digestão do ritmo, um toque particular de sua liberdade de entendimento do som. O trombone mostra, junto com a cuíca, a profundidade do entendimento da forma característica dos estilos brasileiros, tanto por David Byrne quanto pela grande banda que o acompanha.

As hibridizações de ritmos foram muito bem sucedidas! Loco de amor (Salsa/Reggae) fala por elas, com seu ritmo agitado e, ao mesmo tempo, cadenciado por quebras de ritmo, coisa de nego rasta que vai devagar e sempre. Os traços vermelho-amarelo-verdes ainda se extendem pela montagem vocal, bastante detalhada e complexa e o piano trilhando as linhas improváveis normalmente ocupadas pelo contrabaixo neste gênero.

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É foda quando os estadunidenses chamam seu país de América, apenas. Fazem isso na televisão, atores, personagens e políticos. Parecem tentar reduzir um continente a um país que, apesar de diverso, não tem poder de sintetização para tanto. Faltam-lhe traços óbvios, que são exclusivos de outros países, assim como tem suas particularidades. É apenas parte desse todo, cujo nome do descobridor é eternizado de sul a norte. E por mais que o trabalho pareça menos político, mais concentrado nos aspectos culturais realmente importantes - na verdade, até pela grande precisão musical alcançada, a força da diversidade do continente acaba se declarando.

Espero que curtam!

Sobre Cigarros e Cercas [4]

2011-07-28T12:54:00.010-03:00

Jow e seu irmão procuravam lata de Altoids pelo que eles sabiam que já acabara, como quem abre a geladeira pra pensar. Estavam com fome e sem o que comer.

"As coisas são iguais e mais entediantes, não?"

"Sem açúcar?"

"Sem açucar."

O cheiro impregnava a manhã de Jow com otimismo, mas ele fazia café todos os dias. Ele coloca um disco na vitrola e pega sua xícara.

"Lembra dela? Cara, eu ia com ela ao motel toda semana no comecinho..." - J riu-se e corou em uma breve pausa. "Eram os únicos momentos em que eu a via fumando, e era quase engraçado: Ela não sabia fumar, enchia a boca de fumaça para dar um traguinho de nada... Era tão bonita! Lembra dela?"

E sobre ela eles conversaram, e depois sobre outras. Jow falava mais que o normal, o que não passava despercebido pelo irmão. O relógio já marcava 09:37, a visita estava atrasada.

Após mais uma gargalhada meio forçada, meio causada pelo assunto confortantemente engraçado e sugerido sem continuidade alguma com a conversa, Jow acende um cigarro e enche mais uma xícara. Era a mesma sensação que sentia quando cuspia bolinhas de papel com o tubo de caneta na escola: driblar a lei. E as punições da vida são mais severas que uma conversa com o diretor, o que obviamente o preocupava, apesar da confiança que depositava na discrição de seu fornecedor.

Toca o interfone. O coração de J dispara, ele vira o café, dá um trago, apaga o cigarro, se levanta e abre um sorriso enquanto procura as chaves, que seu irmão lhe entrega.

"Calma, Jow."

Late Night Music - Sinatra & Jobim

2011-07-26T20:21:00.004-03:00

Retomo a esporádica série Late Night Music com mais um achado em vinil da banca de colecionadores aqui ao lado de casa: Francis Albert Sinatra & Antonio Carlos Jobim. Pra variar, a preço de banana... É incrível como os discos do Pink Floyd e do Led Zeppelin são caros em qualquer canto, mas são poucos lugares que sabem reconhecer o patrimônio cultural nacional. Fico feliz enquanto consumidor e triste enquanto colecionador...

No campo musical, o realmente importante, fica claro que se trata de uma obra-prima. O compositor brasileiro utiliza o ritmo de sua terra com muita naturalidade em meio a cordas, flautas e alguns eventuais metais fazendo um improvável e maravilhoso contraponto para a voz de Sinatra, serena, precisa e apaixonada como habitual. A fluência do disco, proveniente da precisão astronômica com que cada nota é executada (mérito provável do maestro Claus Ogerman, que arranjou e conduziu o repertório inteiro) acena para uma madrugada calma, silenciosa e escura, como todas as normais são quando se está sozinho.

clique sobre a imagem ou aqui para baixar o disco

O texto da contra-capa desta edição da Reprise apresenta uma visão mais próxima dos personagens envolvidos na criação desta grande obra e se encontra transcrito abaixo:

"O que este disco despertou no público brasileiro foi uma estranha espera. Ali estavam juntos dois homens de idiomas diferentes falando a mesma linguagem da música. E nesse encontro havia alguma coisa mais importante que a gravação, mais séria do que fazer o disco, mais elevada do que entregar um disco. Aquele instante ia marcar para a música brasileira um ponto muito alto de presença no cenário musical do mundo.

Era a realização de um sonho, o sonho que acalentam os compositores das cinco partes do mundo: o de ver e ouvir a voz de Sinatra em suas criações. E foi isso, exatamente, em 1º de março, uma fria segunda-feira, o que Tom Jobim conseguiu nos estúdios da Western, em Sunset Boulevard, EUA.

O disco aqui está. As músicas - trabalhos feitos com o caprichoso artesanato que Sinatra exige - são parte de um todo que para nós, brasileiros, representa um presente da melhor qualidade.

Tudo aconteceu ao compasso de uma premeditação segura, sem nenhuma transigência quanto ao menor deslize. Tanto que se Tom sentiu necessidade de um ritmo brasileiro para apoiar aquele mar de violinos, celos e flautas isso se fez num estalo de dedos, ordem certa para que se mandasse buscar Dom-Um, seu baterista brasileiro preferido e que estava em Chicago.

Tudo certo e perfeito. Há a pausa mínima que é um século de espera, quando o estudio silencia, o maestro aponta a batuta para o alto, os olhos se concentram na música e então os primeiros acordes surgem. Então uma voz se ouve, enquanto a fita magnética se desenrola em ritmo igual - tudo e todos sem consciencia perfeita de que naquele momento eram participantes de um grande acontecimento.

Depois do instante de sonho, o brasileiro Antonio Carlos Jobim se viu abraçado e ouviu da grande voz a frase curta e terna: "É linda sua canção". "

Onde Vivem Os Monstros

2011-07-13T19:52:00.006-03:00

A Karen O é uma figura conhecida, dispensa apresentações. Com o Yeah Yeah Yeahs, produziu boa música e status suficiente para uma apresentação no MoMA. Hoje pretendo falar da trilha sonora do filme Onde Vivem Os Monstros, da qual ela participou, mas creio que seria um descuido grosseiro nem mencionar nada do YYYs. Pra não perder o foco, coloco uma das minhas favoritas e me abstenho das descrições.

No No No

Quem assistiu ao filme nota uma diferença clara na abordagem vocal predominante de Karen O nos dois trabalhos: Para a trilha sonora, sua voz se amolece, tornando-se menos estridente. É clara a adaptação para o tema infantil, especialmente na capacidade vocal de Karen O em seus agudos. Algumas elevações melódicas são feitas de soquinho, imitando o método naturalmente infantil, quase como o soluço de um choro, flagrante em Worried Shoes. A voz da vocalista se confunde com a voz de um menino, o que seria esperado, já que, usualmente, mulheres dublam vozes de meninos em filmes. Ou mesmo a de Gohan, filho de Goku, que também tem lá sua fama.

Worried Shoes

No filme, entra-se em contato com o interior de uma criança solitária, com medos e dúvidas naturais da idade ("será que o sol vai morrer?"), onde os monstros são representações das pessoas e de algumas das próprias facetas do garoto sob sua visão, às vezes hostil, às vezes amável. A proposta visual extremamente interessante é justificada dentro da própria ação do filme, que revela o talento do garoto em contar histórias; um mundo daquele só existiria dentro de uma cabeça criativa. Max é inventivo, tanto sozinho fazendo um iglu quanto em seu tato social, dançando ao perceber a irritação da mãe e fortalecendo seu laço com ela contando histórias. A que ele conta, sobre prédios e vampiros, é o tipo de história que poderia ter sido criada por uma criança, e de que qualquer uma gostaria. A experiência oferecida é convincente, sem imputar pensamentos adultos em uma criança, sem criar mais um irritante prodígio.

Os momentos de solidão e tristeza de Max são muito bem capturados por Karen O & The Kids, mas não são exclusivamente retratados: momentos 'selvagens' também foram musicalizados com precisão rara, valendo-se de um caos vocal com a participação das crianças em uns momentos, de caos instrumental em outros.

Apesar da adequação, este lado do trabalho não conseguiu me agradar tanto quanto o oposto. Por isso, finalizo o post com Hideaway, para mim a mais bela do disco inteiro.

Hideaway

Obrigado pela visita...
Cheers!

The joke is on you

2011-07-04T18:22:00.005-03:00

..:: ouvindo Arcade Fire - Keep The Car Running ::..

Senso de humor é algo subestimado na música, possivelmente por passar despercebido por críticos e ouvidos anônimos. Assim, Who's Next e Quadrophenia são mais conhecidos que o Sell Out, independente da preferência pessoal por este ou aqueles. O mundo da música é como uma mesa de bar: nem todos pegam as boas piadas.

Os Apples in stereo já são uma banda mais escrachada. O Travellers of Space and Time (último deles, sobre o qual você pode ler aqui) é, nas palavras de Robert Schneider, um disco no qual pessoas e robôs cantam juntos. A temática futurista do disco, além de justificar a viagem, permite uma digestão diferente das próprias influências da banda: o que eles têm de Beach Boys se traduz em backing vocals primorosos dos tais robôs, com direito até a uma faixa na qual ouvimos uma capela de latas, um coral de inteligência artificial, Strange Solar System. Uma aula sobre como finalizar um disco pode ser ouvida abaixo.

Time Pilot

O humor da letra de She Don't Use Jelly fala sobre o humor da banda por si tanto através de uma temática, digamos, aleatória, quanto nesta maneira de escrever deliberadamente infantil, cheia de detalhes intuitivos e naturalmente engraçados. E os caras também são muito loucos: traduzem o sarro em uma bagunça de guitarras e sintetizadores, uma estética bizarra explorada em diferentes abordagens ao longo dos álbuns.

She Don't Use Jelly

"I know a guy who goes to shows
When he's at home and he blows his nose
He don't use tissues or a sleeve
He don't use napkins or any of these
He uses magazines
Magazines
Magazines
Magazines
Magazines"

Senso de humor pode ser interpretado de uma maneira mais literal para que a questão possa se aprofundar. Sensibilidade para traduzir algum estado de espírito (temporário ou permanente) em algo criativo é uma das características mais importantes de uma banda. Por isso, Talking Heads.

Porque eu não sei quanto a vocês, meus caros leitores, mas se um dia eu cruzasse a tangível linha da loucura, eu gostaria muito de saber falar francês. Para esta finalidade, não creio que nenhum outro idioma possua o mesmo efeito para se recitar o que seja, se acompanhado de um olhar distante e confuso e de pronúncia efusiva.

A letra de Psycho Killer é toda com o maníaco em primeira pessoa, exceto pelo refrão. Infelizmente, caímos aqui na caetânica regra do ou não, pois a (sempre performática) atuação de David Byrne nos vocais mantém uma linearidade em seus desvios, e não é absurdo interpretar o fafáfafá em favor disso. A banda parece ter um vigor criativo, aproveitando cada fragmento da música para expressar a loucura, seja com um parágrafo dentro da cabeça do cidadão ou com o fim instrumental caótico e indescritível.

Psycho Killer

Também de seu primeiro disco, 77, Pulled Up é o exemplo mais exagerado da banda, em sua característica fractal de fluência, na predominância do contra-baixo de Tina Weymouth para construir as melodias e na tonalidade cênica com que Byrne adorna seu jeito de cantar e reforça o humor. Uma guitarra nos versos parece fazer cócegas no cérebro do ouvinte, em notas agudas e ágeis. O baixo do refrão coloca quem ouve a música no estado de espírito do eu-lírico, puxado das profundezas da alma humana por outra pessoa. Escute a cantoria no fim disso:

Pulled Up

O meu medo é que a música passe pela mesma crise de moralidade pela qual passa nossa sociedade, na qual tudo é politicamente incorreto. Arte não é lugar para isso.
Cheers

Sobre Cigarros e Cercas [3]

2011-06-30T07:58:00.001-03:00

(Jow pega seu zippo, acende o seu e se senta, pensativo. Seu irmão chegaria a qualquer momento.)

"O Snoop Dog é maconheiro, não é? Todo mundo sabe disso. A fama dele é grande; ele nunca escondeu nada, muitíssimo pelo contrário. Esta postura do próprio cara faz até com que outras pessoas se sintam confortáveis para mencionar o assunto...

Naquele Filme, "Como Se Fosse A Primeira Vez", o Adam Sandler brinca com o hobbie do Snoop, citando-o em sua fita de bom dia para a garota esquecida: em um mês abdicando do hábito e no mês seguinte ou no outro, Doggy Dog back in the game! Tudo com um tom muito natural... Pô, ele fuma na MTV... Tá todo mundo acostumado!

O fato é que Snoop não é o único... Tem o barbudão muito louco de "Se Beber Não Case", que fumou no Letterman! Profissional é outros quinhentos, ha ha!"

Por um impulso intuitivo, sem muita explicação, ele se levanta - interrompendo o momento de silêncio - e vai direto ao disco que passou aleatoriamente em sua mente:

(Seu irmão chega e é recebido por todos da casa, habitada por Jow, seu cachorro e uma vitrola antiga)

Uma tesoura pontuda rapidamente picota pequenos pedaços. Apesar da destreza, o trabalho é penoso sem o auxílio do aparato mais específico... Jow não teria a paciência de seu irmão, o que, apesar de economizar alguns minutos, certamente comprometeria a integridade do bastonete, recheando-o de tamanhos irregulares. Como um amigo o ensinou, 'o bem feito é o finamente triturado'.

Finalizada a tarefa, o irmão de Jow então acenta o conteúdo com o polegar; tem um jeito curioso de segurar um cartão com a boca para 'dar o tombo' e finalizar as obras de arte que costumam apreciar juntos.

Passado algum tempo:

"J, eu vi uma cena muito engraçada vindo pra cá!"

Os dois começam a rir bem antes do mais novo começar:

"Dois idiotas em uma bicicleta..."

Após a interrupção de longas risadas e gargalhadas, seguidas por digressões das mais diversas, nenhum dos dois se lembraria sobre o que falavam. A história só seria retomada por acaso no café da manhã do dia posterior, após o barulho da torradeira.
--

Obrigado pela visita.
Cheers!

Músicas Felizes Para Pessoas Felizes

2011-06-14T23:57:00.001-03:00

foto: Gareth Jones

Como interpretar uma música sem letra? Esta é uma pergunta que sempre me fiz ouvindo melodias exclusivamente instrumentais, especialmente ao ouvir música clássica. Como decifrar pontos de vista, ou mesmo interpretações mais imediatas sobre a linguagem unicamente musical sem o apoio literário? Sim, pois deve-se levar em consideração que quando o Jimi Page sai moendo a guitarra sem dó no solo de Stairway To Heaven, ele teve uma evolução musical e poética que culminou em seu momento mágico; são partes de uma obra única, que possui interpretações, sim, pessoais e diversas, mas coesas entre suas diversas parcelas.

Somar os títulos das músicas à interpretação é uma maneira de entender o ponto de vista da banda em relação ao que se escuta. O exemplo mais claro que posso utilizar é o de I Know You Are But Who Am I, encontrada em Happy Songs For Happy People, do Mogwai.

Você se lembra de ter ganho alguma discussão simplesmente por repetir incansavelmente 'por quê' a seu interlocutor? Típica e não exclusivamente infantil, esta postura é adotada, em inglês, através da expressão 'I know you are, but who am I?' repetida até a eventual exaustão de alguma das partes; também é traduzida pelos caras da banda como uma repetição de uma curta sequência de próximos acordes de piano.

Decifrado o signo, a arte se abre; as interpretações se tornam pessoais. Os adornos eletrônicos que crescem ao longo de IKYABWAI? sugerem uma fixação com outra pessoa. A 'incapacidade de sair' deste campo melódico mais delimitado sugerem timidez e a subseqüente auto-cobrança, para não dizer auto-depreciação. Um ambiente claustrofóbico dentro de si mesmo. Mas isso sou eu que estou falando...

Ouvi na rádio, esses dias, um programa sobre Chopin. Em termos técnicos que eu jamais poderia transcrever, o rapaz explicava como os movimentos, as escolhas de harmonias e a dramaticidade do som evocavam a noite, tanto nas serenatas como nos chamados Noturnos.

O Mogwai também explora, dentro de cada disco, estas composições atmosféricas, o que leva a uma diversidade interessante de ambientações. As construções são feitas utilizando artifícios eletrônicos como sintetizadores, pedais, acompanhados da eventual pancada de uma guitarra menos incomum.

Golden Porsche é dreamy, tem uma iluminação que parece ser entrecortada por sombras da percussão (dos pratos), extremamente precisa para esta vinheta subconsciente. O peso das cordas do violoncelo contribui para o escuro, tanto quanto para dar um tom melancólico, sublinhado por um piano econômico e elegante.

"Uma grande parede de tijolos amarelos se impõe sobre a luz do sol, projetando uma sombra no ponto de ônibus onde um velho vê o jornal de braços escancarados e acaba deixando o seu número passar, entretido nas palavras cruzadas. Ao lado dele, uma garota pré-adolescente masca o chiclete de maneira vulgar, evitando a excentricidade do senhor ao seu lado. Um banco vazio.

Uma mão delicada brinca com uma dobradura de animal qualquer, enquanto a outra segura seu iPod. Da distância do banco vazio, a mulher corre os olhos até o jornal, discretamente dissimulando sua curiosidade. Polidez inútil, já que seus olhares se encontram involuntariamente como conseqüência da fraqueza dos braços do velho, que não mais podia segurar o jornal naquela altura.

Ela sentiu pena e medo. E ele viu.

E ela viu."

Essas duas músicas servem como mero aperitivo. Happy Songs For Happy People é como um quadro, para o qual você olha cuidando para não desconsiderar a postura do autor ou a sua. Recomendo a discografia da banda como um todo, mas, para os marinheiros de primeira viagem, talvez o Mr. Beast seja uma escolha mais palatável.

E VIVA A ESCÓCIA!

Cheers!

Hurricane

2011-05-31T15:41:00.005-03:00

A música country americana possui diversas facetas, entre as quais, a liberdade que o vocalista tem para apenas contar histórias enquanto o resto da banda faz um som. Normalmente, as histórias narradas são tristes e relacionadas ao amor - o que, em si, é quase uma redundância.A melancolia relatada nas palavras tem suas arestas aparadas pela ambientação sonora, minimalista, cordas simples e relutantes. Deixemos que Zoe Muth nos conte o causo dela junto dos Lost High Rollers, para exemplificar:

Never Be Fooled Again

Bob Dylan é um artista clara e declaradamente influenciado pela música country (e do sul dos EUA como um todo, mais precisamente). Contudo, ele inventou sua própria estética, que leva o sentimentalismo, as críticas e as opiniões do artista sempre a um extremo visceral, sublinhado por sua voz, sincera especialmente na maneira como desafina; como uma vez meu primo me disse, ele não foi um grande cantor, mas um grande artista. Neste sentido, acredito que a comparação com Jeff Mangum não seja descabida:

Two-Headed Boy, Pt. 2

Essa sinceridade vocal deve se derivar, simplesmente, de sua própria identificação com a temática de sua arte. Isto, além de não se restringir ao sr. Dylan, acaba por explicar muito do lixo que é atirado aos nossos ouvidos diariamente. Mas não é sobre isso que eu quero falar...

Rubin 'Hurricane' Carter passou dois terços de sua vida preso injustamente, vítima de uma sociedade ignorante e preconceituosa. Este enredo, apesar de compartilhar da melancolia abordada pela música country, inspira sentimentos mais agudos no ouvinte. Assim, Dylan afia sua influência do sul dos EUA, trabalhando a ambientação sonora da canção entre dois instrumentos: um violão objetivo, oscilando entre poucas notas e com convicção da mão direita é acompanhado por um violino, que traz em seu próprio timbre certa inquietação; em suas notas alongadas, tristeza. O minimalismo, além de evidenciar a voz (que aproxima Mangum de Dylan) e a história, permite que a dicotomia entre os instrumentos seja sublinhada para que a ambiguidade de sentimentos gerados pela história fique clara.

A ignorância se travestiu de racismo para Rubin, assim como de diversas outras maneiras ao longo da história da humanidade. Racismo, religião, o Homem parece precisar de mentiras para preencher vazios que se derivam de sua própria incapacidade em responder algumas questões fundamentais. Do alto de sua arrogância, ele inventa uma entidade à sua imagem e semelhança como o detentor de todas as soluções. Uma criatura soberana de um grão de areia azul do universo, que faz do seu próprio lar um esgoto, faz do azul o marrom em nome da ganância tem a pretensão de acreditar que seu umbigo é a fonte de toda a energia cósmica do universo.

Hurricane

Para finalizar, um 'acorda pra vida' aos antropocêntricos de plantão ao som de Mogwai - Stop Coming To My House:

Cheers!

Sobre Cigarros e Cercas [2]

2011-05-15T11:55:00.002-03:00

O lado do disco acaba, uns dois minutos depois do cigarro. Devagar, parando para olhar o teto algumas vezes e com alguma dificuldade em escolher o próximo LP, Vinícius parece intrigado, imerso em seus próprios protestos, zapeando sua coleção enquanto fala.

"Meu irmão não é viciado, é um cara que tem auto controle. Diz que gosta de fumar enquanto faz um trabalho à noite. Sempre fuma quando o visito, usa como ferramenta para celebrar. Mais do que isso, acredito que seu hábito esporádico do fumo vem de sua obsessão em se comunicar, não importa em que nível. Assim como este que vos fala, ele acredita que o fumo é um ato social. Um hábito que raramente é desacompanhado de outros gostos em comum: Isqueiros da Harley Davidson (e zippos, em geral), gosto por filmes italianos, por Led Zeppelin, por discos de vinil e tantas outras intersecções pessoais que o fumo já me proporcionou... Opa!"

Um disco salta a seus olhos. Parece uma escolha óbvia.

"Um cara excêntrico. Foi ao show do Paul McCartney usando óculos de sol para esqui. Tem uma conversa mole que as mulheres costumam comprar e uma habilidade impressionante em improvisar coisas interessantes em alguns instrumentos musicais. E segura o cigarro entre o dedo do meio e o anelar.

É um jeito bom, no sentido anatômico da coisa, quero dizer... Quando se segura dessa maneira, fica fácil levar o cigarro à boca, tanto quanto de outra maneira que se sinta natural. Além disso, há um impulso quase incontrolável de se soltar o cigarro enquanto ele está na boca, pegando-o de volta apenas para expirar a fumaça, o que até lembra o Vincent Vega, de Pulp Fiction.

Não é como se você segurasse entre o anelar e o dedinho. Ao mesmo tempo, não é fácil bater as cinzas segurando desse jeito. - Em um gesto questionador, Vinícius volta suas duas palmas abertas para seu rosto a um palmo e meio de distância, enquanto segura o cigarro à maneira de seu irmão - É como um gesto metonimiza seus jeitos, seus hábitos, suas opiniões: sua abordagem puramente lógica às vezes esbarra em convenções sociais."

Sobre Cigarros e Cercas

2011-05-09T15:10:00.002-03:00

...Vinícius pega seu cigarro de uma caixa, brinca um pouco com ele em seu zippo e acende-o. Um trago. Dois tragos:

"Quando eu cruzo os braços, me dou o direito de deixar um levantado para fumar, mesmo enquanto não estou fumando. Guilherme já mantém os braços sempre cruzados. O cara é ‘badass’. Do tipo que bate em bandido e faz a própria justiça. Quase um John Wayne do ABC.

Devo admitir, não consigo identificar muitos traços sobre como ele fuma, além dos braços cruzados. Talvez seja porque eu sempre o vi fumar e tudo me pareça natural demais para saltar aos olhos."

...vai até a vitrola e coloca um disco.

Pega o cinzeiro, que coloca sobre uma das caixas de som e se senta numa poltrona.

"O Ogro, por outro lado, tem um jeito de segurar o cigarro assim, ó, como aquele mafioso de Boardwalk Empire. Segura com os dedos indicador e do meio juntos, pinçando o cigarro com o polegar em contraponto. O anelar é quase aleatório, unindo-se aos outros dois quase sempre (e não apenas) ao levar o cigarro à boca. Altivo, econômico em seus movimentos, ele não esquece o cigarro entre os dedos. Bate as cinzas de longe, olhando meio de lado, sempre calmamente.

O zippo dele sempre funciona! Ele pega o zippo com a mão direita na parte debaixo, a esquerda de fato abrindo o isqueiro devagar; com o polegar direito, gira a rodinha apenas uma vez e sempre acende. Sempre que ele empresta seu zippo a alguém, sempre funciona. Sempre que eu empresto o meu, por melhor que ele esteja funcionando comigo, a pessoa apanha! Eu já troquei a porra do pavio, tentei colocar mais ou menos fluído. Acho que, sei lá, o dele já veio melhor da fábrica!

Ele sempre tem cigarros! Se não os tem com ele, tem um monte no porta-malas do carro. Marlboro vermelho, box; jamais maço!

Sempre com um uísque on the rocks, lendo o Estadão ou algum jornal local. Gosta de discutir tanto quanto fala com iguais propriedade e eloqüência sobre política nacional ou sobre a briga por causa da cerca e do milho entre os vizinhos. Uma observação, uma piada, uma risada, um gole, um trago."

L&L

2011-05-05T23:43:00.001-03:00

Elf Power - Willowy Man

"he would memorize the planets and the stars above

and dream a secret dream about the ones he loved"

Arte é Arte, Hail To The Thief!

2011-04-06T00:51:00.017-03:00

:: ouvindo Tchaikovsky - Swan Lake - Scène ::

Arte de Stanley Donwood, autor da capa de Hail To The Thief.

Boa Noite, meus caros,

Como algumas mentes mais observadoras já devem ter percebido, a descrição do blog foi mudada. Sim, meus caros, foi mudada porque era preciso. Primeiro, porque eu não estou mais em Ribeirão Preto e também quis desvincular o site a qualquer cidade em específico. Eu queria, também, desvincular o site da analise da música meramente como música, pois ultimamente tenho estudado algumas coisas diferentes do que eu estudava antes, que me fizeram ver a música, o cinema, a pintura, o teatro, todas as expressões de arte simplesmente como arte. Minha identificação natural com a música provavelmente manterá o foco deste blog para esta arte, mas imagino que, aos poucos, análises de outras artes podem ganhar mais espaço. 'Ou não'. Odeio isso, mas agora coube. Prefiro que as diretrizes do blog sejam traçadas ao longo dos anos em vez de com imposições artificiais.

O acaso, como eu gosto de pontuar por aqui, sempre nos reserva alguma surpresa. Uma brincadeira na internet sobre o melhor disco do Radiohead e, pronto, conheço alguém que compartilhe não apenas dessa opinião comigo. Dois caminhos completamente distantes se cruzam por obra do acaso - evento tão improvável que poderia ser classificado como aleatório. Ela se chama Ana Carolina, e foi conversando com ela que eu coloquei em palavras algo que eu tinha reparado enquanto ouvia o Hail To The Thief na vitrola. Aproveito para agradecer pela ajuda, bem como para dedicar este post a ela.

Em Mãe (Vsevolod Pudovkin, 1926), há uma sequência em que um grupo de manifestantes caminha em direção à barricada policial, e este plano é exibido em paralelo com o do degelo de um rio. Os manifestantes se aproximam à medida em que o gelo vai se partindo e ganhando velocidade. Quando a velocidade do gelo já está muito grande, vê-se o choque iminente entre manifestantes e polícia quase acontecer. Após a explosão do conflito, o gelo se bate violentamente contra uma ponte. Dois eventos não correlacionados possuem um significado poético que se cria com sua justaposição. O diretor se exime de exprimir a violência em termos literais, já que ela foi metaforizada.

O Radiohead compôs de maneira semelhante à montagem soviética em grande parte das músicas de Hail To The Thief. Não digo todas por pura preguiça de analisar este pormenor irrelevante. Mas nota-se - em algumas músicas durante toda sua duração, em outras apenas em partes específicas - a criação de imagens através da exposição de palavras que, em conjunto, evoquem determinado conceito, sentimento, etc, sem que necessariamente façam sentido como uma frase comum.

"Investments and dealers, investments and dealers
Cold wives and mistresses
Cold wives and Sunday papers.
City boys in first class
Don't know we're born little
Someone else is going to come and clean it up

Born and raised for the job

Someone always does, always pick it up
Get over, get up, get over
Turn the tape off"

Através desta apresentação das palavras, o Radiohead caracteriza um cidadão médio de uma cidade grande, com alguns termos, apesar de brutais, cotidianos a ele. O medo de ser substituído, a ambição, a auto-cobrança, a banalização de coisas importantes ou graves. Este ponto de vista é certamente sublinhado pela ambientação sonora interessante, que é muito bem ilustrada por um artista chamado Gastón Viñas:

Where I End And You Begin é sobre o fim de uma relação entre duas partes. Uma pessoa dizendo a outra que existe um espaço entre elas por onde os dinossauros passam e o céu é verde, tamanha a distância entre elas. Ele está nos céus para ser capaz de visualizar isso, e não quer voltar ao chão, não deseja se reaproximar... Ele pode assistir, mas não participar.

Escolhi estas duas músicas para exemplificar a capacidade da banda em expressar condições e sentimentos mais obscuros e depressivos. Mas, também como na montagem soviética, o Radiohead sabe evocar a beleza através do contraste. Formar imagens de extremo pessimismo (ou conformismo), de depressão tamanha são instrumentos para evocar seus opostos.

"I will

Lay me down
In a bunker
Under the ground "

e

"Little babies' eyes, eyes, eyes, eyes

Little babies' eyes, eyes, eyes, eyes
Little babies' eyes, eyes, eyes"

Não que tenha sido feito deliberadamente (ou literalmente) de maneira semelhante ao cinema soviético - e não que não tenha sido feito assim. Isto é apenas uma ilustração didática que imaginei ter seu espaço por aqui.

--

Estes são links de uma postagem anterior, feita logo após o show da banda em Sampa, lá em 2009 ainda. Para quem ainda não conhece algum destes, é só clicar...

Kid A
Hail to the Thief
Amnesiac

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Honestamente, ainda não sei o que dizer sobre o disco novo. Gosto mais agora do que gostei a princípio, mas gostaria de ouvir opiniões. Quem quiser, fique a vontade para opinar nos comentários.

Cheers!

Espinho de Coroas

2011-03-23T18:03:00.007-03:00

:: ouvindo Bob Dylan - You're Gonna Make Me Lonesome When You Go ::

É extremamente difícil criar nomes e conceitos para algumas coisas. O infinito, por exemplo, é do que chamamos aquilo que é grande demais para nossa compreensão. Um, dois, mil, milhão, bilhão, trilhão e então, zilhão - é como se a partir daqui o tamanho ficasse irrelevante. Por este motivo tendemos a comparar escalas muito grandes ou pequenas em relação a algo mais palpável, como colocar uma melancia ao lado de um limão para ilustrar o tamanho de um planeta em relação a outro.

O Echo & The Bunnymen, esta banda foda de Liverpool (de onde mais?) nos anos 80, trabalha outro conceito com esta mesma idéia de progressividade até o incompreensível, mas para medir o caos.
Thorn Of Crowns. O título já é um pequeno exemplo do que se faz na música: ao invés de 'coroa de espinhos' (crown of thorns), a música se chama 'espinho de coroas'. Uma inversão de palavras que cria algo, apesar de não completamente abstrato, expressa algo que não pertence à nossa realidade.
Thorn of Crowns começa lenta, com um clima egípcio interessante e uma guitarra inconstante, que evolui de maneira cada vez mais dissonante, mais caótica. O caos aumenta à maneira que o som se torna menos convencional, até convergir em um refrão que expressa nossa incompreensão do nível do caos no som. Voltemos à matemárica.

O conceito do infinito nos permite compreender e falar sobre figuras de grandeza antes difícil de expressar. Uma palavra que nos oferece um conceito pronto e compreensível sobre o imensurável. Da mesma forma, o refrão de Thorn of Crowns consegue criar um ambiente sonoro mais palatável que sugere a evolução caótica do som. É a mesma coisa, só que musicalmente: um refrão, apesar de muito psicodélico, relativamente fácil de ouvir. O som atinge um nível de caos tamanho que passa a assumir uma forma mais simples, seguindo esta lógica, justamente porque é a expressão do abstrato.

Um ponto positivo em ouvir esta banda é o fato de que as interpretações são muito variadas, de acordo com cada um. Alguns filtram o E&TB como uma banda de malucos obscuros dos anos 80; não completamente desprovidos de razão, mas trata-se um rótulo limitado. Estes caras são eloquentes em suas maluquices, e fazem seu som em um nível de detalhes muito grande, com uma ambientação adequada e muito bem composta, apesar da aparente bizarrice dos efeitos de pedaleiras e sintetizadores nas primeiras ouvidas.

Além de Thorn of Crowns, não poderia deixar de mencionar The Killing Moon - ambas do Ocean Rain. Esta música tem uma ambientação muito interessante, com sugestões de temas árabes, além da impressão de se estar em um lugar onde há eco, como uma caverna - capa do disco que disponibilizo a vocês para download através do Pirate Bay. Basicamente, a música fala sobre a morte e tantas outras coisas que acontecem contra a nossa humana vontade. 'Fate up against your will'.

Não posso me demorar muito aqui, pois passo pelo mês mais conturbado e corrido da minha vida. Este próprio post estava apenas precisando de ajustes nas arestas antes de ser publicado já há um bom tempo! Mês que vem, talvez as coisas melhorem. Agradeço pela compreensão!

Cheers!

Outro comentário sobre as Garotas no Havaí

2011-02-08T16:08:00.004-02:00

Boa Tarde, meus caros,

Escrevo nesta tarde mais uma vez sobre esta banda Belga, o Girls in Hawaii. Porque por esta mente descuidada que vos fala passam detalhes importantes, por não raras vezes, como bem sabem meus amigos. Imagine, você, que eu não tive a sensibilidade pra detectar esta pequena grandiosidade que é a linha de baixo de Casper.

Que esse som encoraje você a baixar o disco, neste post. Não poderia recomendar mais. Em minha despretenciosa opinião, é a banda mais underated que eu conheço e não consigo entender por que eles, simplesmente, não fizeram mais sucesso.

Apesar da boa recepção que seus dois primeiros discos tiveram na Europa, não se teve muita notícia do Girls in Hawaii após a morte de seu baterista. Resta-nos apenas esperar.

Cheers!

Sway

2011-01-15T17:16:00.001-02:00

Sábado, Stella, Stones.

Obviedade que vai além da ortografia. Não são apenas 3 palavras que começam com S, como eu poderia fazer com quaisquer outras palavras que começassem com a mesma letra.

Tem alguma coisa no sabor amargo de uma Stella Artois, borbulhante e gelada, que combina com a renovação de ter dormido até o meio dia no sábado, da disposição para seguir as guitarras flamejantes na agulha do toca-discos; de estar sozinho, no quarto, fumando um Lucky Strike branco, vendo ainda a xícará com um pouco do café da manhã. Amanhã eu tiro daqui. Minha mão está ocupada e gelada agora.

Cheers!

Improváveis

2011-01-13T23:38:00.007-02:00

"Ele nunca havia se sentido daquela maneira. Mas não era a exposição a tantas pessoas que enfraquecia suas pernas, não era o botão da camisa ou o nó da gravata que o deixavam sem ar. Já há algum tempo trabalhava de terno todos os dias, fazendo apresentações e participando de negociações milionárias, bilionárias, sem jamais perder a tranquilidade ou o equilíbrio. E lá estava ele: no chão, caído, seu sapato direito levou o chapéu da velha da primeira fila em sua trajetória; por sorte, apenas o chapéu.

Mas não foi fraquejando que ele chegou onde estava; trabalhava melhor quando a pressão era insuportável, o que impressionava seus colegas de trabalho quando os prazos se encurtavam. Levantou-se, bateu a poeira e continuou seu caminho ao altar, como se nada tivesse acontecido, não sem ouvir alguns comentários femininos discretos ou as risadas inocentes e altas das crianças mais ao fundo. Após cinco anos de planos, brigas, viagens, felicidade, dúvidas e conquistas, tudo parecia mais claro depois daquele tombo.

Ele queria se casar na praia, sob aquele chapéu de praia de copa imponente, de bermuda e descalço, ouvindo o som das ondas e do ukelele, olhando para aqueles cabelos castanhos soltos e esvoaçantes, para aqueles olhos penetrantes, sempre tão cheios de carinho, de perdão.

Ela, no entanto, apesar de muito autêntica e alternativa, sempre 'bateu o pé' a vafor de um casamento tradicional. Sonho de menina. Quem a conhecia não esperaria isto dela, mas ela era cheia destas surpresas: um dia à noite você acorda pra tomar água e a vê fumando um Marlboro vermelho, escondida, chorando. Ela, oncologista, opositora ferrenha do hábito do fumo, sólida como uma rocha, senhora de seus sentimentos.

Algumas horas antes da cerimônia ele praguejava em relação ao traje, tão semelhante ao que tinha de usar diariamente e, para piorar, manchado com a Heineken que tomava com seu melhor amigo. Questionou a necessidade da solenidade com seu amigo, que tentava botar panos quentes: 'é pouco a se fazer por uma vida ao lado dela'. Era verdade, mas a centelha de dúvida se extendia até o momento em que ele ouviu os primeiros acordes do ukelele e viu as portas da igreja se abrindo. Ela tinha guardado esta carta na manga.

Ele sentiu o tempo parar. Não sentia suas pernas mais fracas, simplesmente não as sentia mais. As lágrimas escorriam timidamente em seu rosto, dado o seu esforço com certo sucesso em contê-las. Suas sobrinhas jogavam pétalas amarelas ao chão, e ele a via andando quase tão devagar quanto naturalmente naquele vestido branco maravilhoso, bem menos extravagante que os de costume. Ela sorria, e seu sorriso contagiava o lugar. Era como se todos sentissem seus corações mais quentes, mais confortáveis. Ele se sentia assim. 'Então era esta carta que ela guardou na manga' pensou ele, rindo de si, pensando em como isso era previsível e em como ele tinha sido pego de surpresa, mesmo assim.

Ele cumprimentou o sogro, pessoa de quem gostava muito, e a pegou pela mão. Aquela mãozinha pequena e delicada, mais macia que o comum na ocasião.

'Que tombo, hein!' ela riu e se corou levemente. Podia perceber isso porque ela usava pouca maquilagem, pedido que ela atendeu sem relutar.

'Quem diria que um dia estaríamos aqui...'

Arcade Fire

2010-11-10T18:36:00.006-02:00

:: ouvindo Archive - Beautiful World ::

Boa Tarde,

Em alguns momentos, digamos, lazarentos da vida, você precisa parar pra pensar. Você pode buscar músicas mais depressivas, para tentar compreender melhor o que sente e, assim, tentar entender o que se passa para então buscar uma solução, blá blá blá. Preciso Me Encontrar, do Cartola, sugere uma abordagem diferente: ao invés de choramingar pelos cantos, é preciso tragar um pouco de vida goela abaixo, seja como for, e vestir um sorriso mentiroso até que ele seja verdadeiro. Mas é preciso viver!

E o que tem o Arcade Fire a ver com isso? O Arcade Fire volta energético. Não que isso seja sinal de mudança, mas quando acaba The Suburbs e a bateria de Ready To Start entra, você percebe que o esporte deles foi para outro nível. A vida pulsa junto com a bateria. Esta vontade de 'ir à vida' - como diria o Divino, é uma interpretação óbvia desta música, deste álbum e talvez da proposta da banda como um todo.

Ready To Start

Mas isso são interpretações minhas. Você - doido que deve ser -, meu caro leitor, lê este blog de vez em quando e certamente não as ignora, por isto não as omito. Mas existem pontos inquestionáveis quanto ao Arcade Fire, que definem esta banda como uma das grandes da atualidade. A originalidade do som, volumoso e rico tamanha a diversidade de instrumentos utilizados é um deles; originalidade que não se limita ao som, é só olhar os dois rapazes da percussão vestindo capacetes, um batendo com as baquetas na cabeça do outro do outro e Neighborhood #2 (Laika). Não encontrei este vídeo em específico. Se você, meu caro leitor e detetive por acaso encontrar a versão que eu mencionei, por favor, passe-ma! Mas esta versão do festival de Reading de 2007 deve ser suficiente:

O vigor das apresentações ao vivo é um dos principais, certamente. Alguns meses atrás fui obrigado a abandonar o show de horrores do primeiro debate dos presidenciáveis do nosso Brasil para assistir ao show transmitido ao vivo para o mundo todo através do YouTube. Palavras de Butler, quando houve um erro de um dos membros da banda: "we're gonna start over, and someday you will say to each other 'remember that day when they fucked up the song, then they started over again and it was the best night of our lives' ". Ou algo assim. Esta habilidade para transformar a cagada em diamante, de improvisar até mesmo com o adverso é grandiosa, mas eu creio que a banda é realmente foda ao vivo por um motivo simples: eles fazem o tipo de música boa para se ouvir em meio a uma multidão tomando uma cerveja. É o tipo de som que causa uma comoção coletiva, consequência natural da proposta da banda. Se você assistiu ao vídeo acima, eu não preciso nem dizer que o componente 'vida' exerce um papel longe de ser secundário.

Por incrível que ainda possa parecer, apesar de tantos pontos positivos, tantos destaques individuais, duas estrelas conseguem brilhar mais forte dentro da constelação arcadefiriana: o casal formado pelo próprio Win Butler e Régine Chassagne. Aquele com seus vocais trêmulos de tanta verdade, de tanto entendimento do que se representa através da música, empunhando uma guitarra improvável, apesar de simples em boa parte das músicas; e sempre pulsante, até mesmo 'pesada' em meio ao corajoso, porém alegre e pacífico som da banda. Esta com sua voz doce, extremamente precisa e 'bizarra' nos vocais de apoio, apesar do aparente paradoxo. Isto quando ela não resolve meter o coração nos foles do acordeon, que, dentro do seu timbre, consegue desenhar linhas melódicas semelhantes às dela. Prova da destreza, da naturalidade com que ela canta ou toca, prova de que os sentimentos fluem com mesma eloquência em mãos e cordas vocais tão hábeis.

A verdade é que, apesar da energia da banda ter se evidenciado ainda mais para mim neste disco, não se pode dizer que eles se reinventaram, que houve uma grande mudança na sonoridade do Arcade Fire. Cuidado, meus caros. Não estou dizendo que eles são o novo AC/DC e que para sempre farão discos bons e iguais (guardados os devidos exageros desde que vos fala de maneira apaixonada). Mas também não aconteceu a eles o mesmo que sucedeu aos Macacos Árticos, que passaram uns dias com o rapaz certo no estúdio localizado no lugar certo e transformaram a banda. Houve uma evolução mais evidentemente horizontal, percebe-se maior maturidade e intimidade com a proposta inicial do Funeral. Isto mostra que a banda está pouco se fodendo para a óbvia repercussão 'repetitivo, massante, fora de moda, pouco criativo' da crítica especializada. Month Of May, Wasted Hours e a metade final do disco como um todo exemplificam muito bem esta evolução e poupam-nos das descrições.

Month Of May

Uma hora ou outra, no entanto, eles vão precisar se reinventar. Pessoalmente, só não tenho tanta confiança quanto curiosidade para saber o que está por vir. Bem que podia ser no próximo disco.

Desejo a vocês um ótimo mês, sem prometer que volto logo. Mas eu volto.

Cheers!

Cartola

2010-10-26T15:24:00.013-02:00

:: ouvindo Cat Power - I Found a Reason ::

Boa noite, meus caros.

Cartola. Mangueira. Sinônimos?

É difícil separar a história da (mais) charmosa (de todas) das escolas de samba da do senhor Angenor de Oliveira, um de seus fundadores. *Junto com um grupo amigos sambistas do morro, Cartola criou o Bloco dos Arengueiros, cujo núcleo em 1928 fundou a Estação Primeira de Mangueira. Ele compôs também o primeiro samba para a escola de samba, "Chega de Demanda". Os sambas de Cartola se popularizaram na década de 1930, em vozes ilustres como Araci de Almeida, Carmen Miranda, Francisco Alves, Mário Reis e Silvio Caldas*. Vale ainda lembrar da música Sala de Recepção, uma homenagem ao morro e seus moradores e à escola

"E as outras escolas até choram invejando a sua posição"

A favela é algo a ser considerado aqui. Conversei com um amigo que me disse uma coisa interessante: nesta época (anos 30, 40), os moradores da comunidade não invejavam a vida da cidade ou desejavam sair do morro. Pelo contrário: passavam o dia trabalhando na cidade e não viam a hora de voltar pra casa, pra favela, onde viviam a vida que gostavam de viver, onde o samba comia solto e a mulata sambava, onde nasceu a malandragem, onde o cara tomava a cervejinha dele. A favela poética, como (quase) tudo no Rio! Em minha opinião, é este tipo de identificação que gera um movimento cultural genuíno, capaz de ser expresso em diferentes formas de arte com coerência.

Mas chega. Não tenho a pretensão de fazer uma sinopse sobre a vida e carreira do seu Angenor. Falta-me um caminhão de conhecimento, e eu também não sou biógrafo. Na verdade, eu não sou expert em nada, especialmente em samba. Por isso mesmo, gostaria de falar brevemente apenas sobre Cartola II, seu segundo disco oficial de estúdio, lançado no ano de 1976.

Porque eu não sei se isso é samba de roda ou de partido alto ou nenhum dos dois, o que eu sei que é uma delícia ouvir esse disco. Com uma gravidade estranhamente leve, o trombone vai e volta durante as melodias - hora tristes, com o violão devagarinho pelas cordas de cima e o cavaquinho em repetições esparsas e cadenciadas; hora alegres, com o violão um pouco mais rápido e um pouco mais nas cordas inferiores (às vezes pegando três de cada vez, como a bossa 'imita' lentamente), junto ao cavaco em um estilo mais tradicional, mais rápido também. O trabalho dos metais, em geral, é de extremo bom gosto, suave desde a primeiríssima audição. Merece destaque também a percussão, que pode ser o fator mais marcante do estilo, afinal de contas, onde mais se ouve pandeiro sendo tocado desta maneira no mundo todo, ou mesmo algo parecido? Música genuinamente Brasileira.

Aconteceu - um exemplo desse trombone que interage naturalmente com a música.

O samba gera movimento - e aqui ratifico a importância da percussão para o gênero. Indiscutivelmente. É o passo desajeitado do engravatado, o samba deslumbrante da Rainha da Bateria ou um batuque na mesa do bar deste que vos fala: o samba gera movimento. De repente, aquela festa da Sapucaí faz mais sentido para mim.
Só que por trás desse ritmo contagiante, Cartola escreveu. Escreveu com honestidade (que, no caso dele, tinha como consequência natural a simplicidade) suficiente para ter seu trabalho por muitos subestimado, quando não ignorado. Comecemos pela escolha mais óbvia: O Mundo É Um Moinho

'Preste atenção, querida. Embora saiba que já estás resolvida'. Não posso deixar de notar certa ironia nesta colocação, especialmente se contextualizada da maneira como ouvi: ele fez esta música para uma garota (supostamente sua filha ou afilhada) que decidiu se prostituir. Ele zomba as certezas absolutas da juventude de maneira geral, com classe e sutileza naturais ao sábio. E pensar que tamanha sabedoria vem de uma pessoa simples do morro, que usava sua cartola enquanto trabalhava nas construções para evitar que seu cabelo se sujasse! Conhecimento tácito, empírico, autêntico. Genial à sua maneira.

'Minha, quem disse que ela foi minha? Se fosse, seria rainha.'

Esta música passaria desapercebida por muitos não fosse o sofrimento que Cartola evidencia com uma facilidade que esconde a complexidade dos sentimentos com os quais ele trata aqui ao dizer 'minha', tanto na primeira quanto na segunda vez nesta frase. Passaria por mais uma música sobre amor não correspondido, que, de tanto ser banalizado pelas duplas por aí, parece que não dói. Bem...

'Minha ela não foi um só instante'

Bom, meus caros, é isso. Não tenho a pretensão de apresentar Cartola a ninguém, nem de falar nada novo sobre ele. Este é um registro pessoal com músicas em streaming, que eu espero que vocês aproveitem. Deixo a vocês, finalmente, a última homenagem que o 'Divino Cartola' recebeu em vida, de ninguém menos que Carlos Drummond de Andrade, publicada pelo Jornal do Brasil três dias antes de sua morte. Palavras muito mais bonitas e íntimas, de alguém que realmente sabia do que estava falando:

Cartola, no moinho do mundo

Você vai pela rua, distraído ou preocupado, não importa. Vai a determinado lugar para fazer qualquer coisa que está escrita em sua agenda. Nem é preciso que tenha agenda. Você tem um destino qualquer, e a rua é só a passagem entre sua casa e a pessoa que vai procurar. De repente estaca. Estaca e fica ouvindo.

Eu fiz o ninho.

Te ensinei o bom caminho.

Mas quando a mulher não tem brio,

é malhar em ferro frio.

Aí você fica parado, escutando até o fim o som que vem da loja de discos, onde alguém se lembrou de reviver o samba de Cartola; Na Floresta (música de Sílvio Caldas).

Esse Cartola! Desta vez, está desiludido e zangado, mas em geral a atitude dele é de franco romantismo, e tudo se resume num título: Sei Sentir. Cartola sabe sentir com a suavidade dos que amam pela vocação de amar, e se renovam amando. Assim, quando ele nos anuncia: “Tenho um novo amor”, é como se desse a senha pela renovação geral da vida, a germinação de outras flores no eterno jardim. O sol nascerá, com a garantia de Cartola. E com o sol, a incessante primavera.

A delicadeza visceral de Angenor de Oliveira (e não Agenor, como dizem os descuidados) é patente quer na composição, quer na execução. Como bem observou Jota Efegê, seu padrinho de casamento, trata-se de um distinto senhor emoldurado pelo Morro da Mangueira. A imagem do malandro não coincide com a sua. A dura experiência de viver como pedreiro, tipógrafo e lavador de carros, desconhecido e trazendo consigo o dom musical, a centelha, não o afetou, não fez dele um homem ácido e revoltado. A fama chegou até sua porta sem ser procurada. O discreto Cartola recebeu-a com cortesia. Os dois convivem civilizadamente. Ele tem a elegância moral de

Pixinguinha, outro a quem a natureza privilegiou com a sensibilidade criativa, e que também soube ser mestre de delicadeza.

Em Tempos Idos, o Divino Cartola, como o qualificou Lúcio Rangel, faz o histórico poético da evolução do samba, que se processou, aliás, com a sua participação eficiente:

Com a mesma roupagem

que saiu daqui

exibiu-se para a Duquesa de Kent

no Itamaraty.

Pode-se dizer que esta foi também a caminhada de Cartola. Nascido no Catete, sua grande experiência humana se desenvolveu no Morro da Mangueira, mas hoje ele é aceito como valor cultural brasileiro, representativo do que há de melhor e mais autêntico na música popular. Ao gravar o seu samba Quem Me Vê Sorrir (com Carlos Cachaça), o maestro Leopold Stockowski não lhe fez nenhum favor; reconheceu, apenas, o que há de inventividade musical nas camadas mais humildes da nossa população. Coisa que contagiou a ilustre Duquesa.

* * *

Mas então fiquei parado, ouvindo aa filosofia céptica do Mestre Cartola, na voz de Silvio Caldas. Já não me lembrava o compromisso que tinha que cumprir, que compromisso? Na floresta, o homem fizera um ninho de amor, e a mulher não soubera corresponder à sua dedicação. Inutilmente ele a amara e orientara, mulher sem brio não tem jeito não. Cartola devia estar muito ferido para dizer essas coisas tão amargas. Hoje não está. Forma um par feliz com Dona Zica, e às vezes a televisão vai até a casa deles, mostra o casal tranqüilo, Cartola discorrendo com modéstia e sabedoria sobre coisas da vida. “O Mundo é um moinho…” O moleiro não é ele, Angenor, nem eu, nem qualquer um de nós, igualmente moídos no eterno girar da roda, trigo ou milho que se deixa pulverizar. Alguns, como Cartola, são trigo de qualidade especial. Servem de alimento constante. A gente fica sentindo e pensamenteando sempre o gosto dessa comida. O nobre, o simples, não direi o divino, mas humano Cartola, que se apaixonou pelo samba e fez do samba o mensageiro de sua alma delicada. O som calou-se, e “fui à vida”, como ele gosta de dizer, isto é, à obrigação daquele dia. Mas levava uma companhia, uma amizade de espírito, o jeito de Cartola botar lirismo a sua vida, os seus amores, o seu sentimento do mundo, esse moinho, e da poesia, essa iluminação.

Carlos Drummond de Andrade

Cheers!

*: trecho da Wikipedia

Late Night Music - Ella & Louis

2010-10-18T16:00:00.002-02:00

Inicio este artigo enquanto ouço este mesmo disco sobre o qual falarei. São duas e quarenta e três da manhã.

E resolvi tomar uma decisão. Este espaço do blog será exclusivo para resenhas de discos de jazz. Comecei o Late Night Music com um propósito inicial mais amplo, até perceber que a seção era a própria definição do melhor jeito de se ouvir este gênero. Já havia concluído isso antes, mas apenas agora eu via Late Night Music com este apelo do estilo.

A experiência do jazz sobre o qual estou prestes a falar é leve, diferente de muito do que coloco aqui. Temos 'frontman' e 'frontwoman' ponderados, do calibre dos maiores, cantando ao jazz que ambienta com muita suavidade seus devaneios instrumentais e seus maravilhosos diálogos. Deve-se creditar também a maravilhosa banda que os acompanha, com um Oscar Peterson extremamente preciso no piano em seus momentos com Ella, para fazer apenas um comentário.

Mas o que separa Ella e Louis dos demais é perceptível. As luzes do palco brilham apenas para eles em diversos momentos, como o tocante fim de Moonlight in Vermont. A entrada triunfal de Louis em They Can't Take That Away From Me salta aos ouvidos, é um toque muito pessoal e espontâneo. É um disco cheio destes toques, o que torna a própria audição do disco algo muito particular, pois cada ouvinte se identifica com momento, seja da sra. Fitzgerald ou do sr. Armstrong. Ambos se sentem confortáveis com o repertório inteiro do álbum, que tem essa fluência muito evidente.

Deixo o link para download do disco (bem depois de ter começado o artigo, às 16 horas), assim como uma sugestão: ouvir Ella & Louis tomando uma cerveja de trigo. Sugiro isso ao invés de um uísque porque o calor que faz nessa minha terra tá demais (mesmo às 2 da matina, quando escrevi o artigo quase todo). Sugiro a Weiss ao invés de um vinho porque não entendo nada de vinhos. É, melhor eu me limitar ao som mesmo. De qualquer maneira, cheers!

Oompa Loompas fazendo anarquia na copa e sua avó reclamando

2010-09-27T01:58:00.004-03:00

:: ouvindo The Fall - Lay Of The Land ::

Boa noite, caríssimos leitores.

Como sempre, decidi utilizar o período de provas tanto para justificar minha ausência (que se extende desde o primeiro dia deste mês) como para procrastinar meus estudos! Exatamente, ao invés de Formação Econômica e Social do Brasil II, que tal um som que parece que tem um rapaz salpicando um monte de oompa loompa no seu cérebro (palavras da pessoa para quem o post é dedicado)?

Por mais excêntrica, esta é uma descrição (acredite!) bastante precisa do Apples in stereo. Precisa no sentido de que o colorido das texturas de cada música, construídas com guitarras estridentes, sintetizadores espaciais fazendo woosh e zing pra lá e pra cá, vocais agudos, precisos e compatíveis com as temáticas malucas das letras, tudo isso em um ritmo irresistível que bota os sapatos deste travado que vos fala para tirar faíscas do chão - voltando, o colorido destas texturas é muito exótico, é uma experiência muito diferente; neste sentido, oompa loompas fazendo rapel no seu córtex acabam sendo uma boa metáfora!

Assim como Girls in Hawaii, o pessoal do The Apples in stereo - que antes era chamado apenas The Apples, mas teve o 'in stereo' adicionado ao fim de seu nome para parecer um comercial, um adjetivo, como se estivesse vendendo um cd ou um rádio - faz música com apelo essencialmente pop. Assim como as Garotas do Havaí, também, o som deles é de uma qualidade assombrosa, o deles mais que o 'delas'; o caminho entre as notas é percorrido com precisão, suavidade e, principalmente, é construído sob um céu cor-de-rosa por onde passam aviões, pássaros e tortas de cereja do mesmo tamanho. Tudo isso com a autêntica atmosfera indie que só pode ser produzida por um dos inventores (ou, no mínimo, grandes representantes do início) do estilo: sintetizadores, cores, irreverência, alegria, esse som é uma resposta bem educada ao grunge, sem reprovar ou aprovar nada, apenas mostrando um novo rumo para a música. Ah, os anos 90!

De todos os discos, recomendarei apenas dois: o primeiro e o último. Por quê? Bom...

O primeiro, chamado Fun Trick Noisemaker é um disco que acaba resumindo o conceito inicial da banda, como discutido pelo líder Robert Schneider (tal qual o ator!) e Chris Parfitt, membros fundadores da banda. Estes dois rapazes, unidos pelo amor aos Beach Boys (um dos grandes amores deste que vos fala), pensavam em fazer uma banda de rock, como o Velvet Underground ou o Black Sabbath, com a qualidade de produção dos Beach Boys. Esta descrição é até melhor que a dos oompa loompas, mas também foi feita pelos criadores da banda, pô...

E talvez essa descrição mencionada acima não defina tão bem assim o Travellers In Space And Time, disco lançado este ano e, até agora, um dos grandes favoritos para melhor de 2010. O álbum tem um formato muito interessante, alternando-se entre músicas e 'vinhetas' (faixas de 30s a 1min que podem incluir caras falando, caras falando com vozes estranhas, transições instrumentais bizarríssimas, sessões de hipnose, etc) com uma naturalidade com a qual é difícil se acostumar. É como se um rapaz com o penteado da princesa Leia entrasse com uma caminhonete todo dia na sala de aula, entregasse uma maçã pra professora e se sentasse ao seu lado pedindo a matéria da prova. Seria difícil de aceitar, mas ninguém reclama ou expressa surpresa. É assim que este disco vai...

Deixo aqui uma seleção de algumas das minhas favoritas deles em streaming. Baixem, comprem, copiem, só me façam o favor de não negligenciar esta maravilhosa banda.

Winter Must Be Cold

She's Just Like Me/Taking Time

Strange Solar System / Dancefloor

(ouvir estas duas faixas em sequência foi o que originou a descrição dos pequenos oompas)

Energy

Hey Elevator

Cheers!

Oompa Loompas going crazy at the dining room and your grandma complaining about it

2010-09-27T01:56:00.009-03:00

:: listening to The Fall - Lay Of The Land ::

Good night, dear readers.

As always, I've decided to use the period of exams both to justify my absence (which extends from the first day of this month) and also to procrastinate my studies! Exactly, instead of Economic and Social Development of Brazil II, how about some music that sounds like some guy splashing a lot of oompa loompas in your brain (words of the person for whom the post is dedicated)?

Even though eccentric, this is a quite accurate description (believe me!) of The Apples in stereo. Accurate in the sense that the colorful textures of each song, built with hight pitched guitars, spacial synthesizers going woosh and zing back and forth, treble voice, precise and consistent with the themes of their crazy lyrics, all in an irresistible rhythm that makes even my shoes (and as they're worn by me, you can be sure they're not used to that) go dancing crazy around the floor - as I was saying, the colours of these textures are very exotic, it's a very different experience; in this sense, oompa loompas doing abseiling in your cortex ends up being a good metaphor!

Like Girls in Hawaii, the guys from The Apples in Stereo - which was called simply The Apples before, but had 'in stereo' added to the end of its name to sound like a commercial, an adjective, as if selling a CD or a radio - make music with pop appeal primarily. As the Girls in Hawaii, too, their sound is granted with a haunting quality, even better than their Hawaiian peers; the path between the notes is covered with precision, smoothness and, especially, is built on under a pink-coloured sky through which airplanes, birds and cherry pies all the same size fly around. All this with a genuine indie atmosphere that can only be produced by one of the inventors (or at least one of the major representatives of the top) style: synthesizers, colors, irreverence, joy, the sound is a polite answer to the grunge, without denial or approval of anything, only a suggestion on a new path that music could take. Ah, the '90s!

Of all the albums, recommend only two: the first and last. Why? Well..

The first, called Fun Trick Noisemaker is a record that ends up summarizing the initial concept of the band, as discussed by the leader Robert Schneider (like the actor!) and Chris Parfitt, founding members of the band. These two fellows, brought toghether by their appreciation for The Beach Boys (one of my great loves as well) thought about doing a rock band like the Velvet Underground or Black Sabbath, with the production quality of the Beach Boys. This description is even better than that of the oompa loompas, but also it was made by the creators of the band... How could I be more precisa than that?

I'll tell you what, maybe the description mentioned above is not as eloquent for Travellers In Space And Time, album released this year and so far, a favourite for best of 2010. It was made in a very interesting format, alternating between songs and 'vignettes' (1min - 30s tracks that can include talking guys, talking guys withstrange voices, extremely bizarre instrumental transitions, hypnosis sessions, etc.) so naturally that it's kind of hard to get used to it. Picture a guy with the Princess Leia's hairdo: he rides a truck every day inside the classroom, gives an apple to the teacher and sits by your side asking you what's going to be on next week's exams. It would be difficult to accept, but nobody complains or expresses surprise. This is how this album goes...

I leave here a selection of some of my favorite of them in streaming. Download, purchase, copy, just do me a favor and do not overlook this wonderful band.

Winter Must Be Cold

She's Just Like Me/Taking Time

Strange Solar System / Dancefloor

(listening to these two songs - one right after another - is what generated the description of the little oompas)

Energy

Hey Elevator

Cheers!

Música de Cowboy

2010-09-03T01:37:00.003-03:00

:: ouvindo Neil Young - Harvest Moon ::

A banda da noite é o Wilco! Da formação original, remanescem apenas Jeff Tweedy, voz e mente criativa da banda, e John Stirrat, baixista com bastante relevância para as composições, também. Eles são extremamente reconhecidos por seus devaneios experimentais; uma referência para muitas bandas. Também são de Chicago, Illinois. Mas não venho lhes falar do rebuscado, renomado e premiado A Ghost Is Born, ou do 'blockbuster' Yankee Hotel Foxtrot. A verdade é que (não apenas) estes álbuns saltam aos ouvidos, são bons demais e é fácil perceber isso. Simplesmente, eu não teria muito sobre o que falar.

Não, meus caros, eu venho lhes falar sobre o A.M., de 1995, o primeiro da banda. Um disco de cowboy! Uma mistura de música pop e música country. Um disco que soa como uma festa em um saloon. Guitarras simples, evidentes, pentatônicas comendo soltas, típica estética de blues, country e coisas do gênero. A verdade é que este disco não tem nada de excepcional, estritamente no campo musical. É divertido e simples, porém executado com muita precisão de cabo a rabo!

O mais legal do Wilco é a maneira despretensiosa com que eles fazem letras muito bacanas! É que eles escondem em uma mistura de folk, pop e música country inofensiva - como se fosse mais uma daquelas choradeiras de corno típicas do gênero - algumas reflexões realmente relevantes! Digamos, música cowboy cult! Para ilustrar, Should've Been In Love:

"My life's been stinking, my heart's been shrinking,
And I'm too busy thinking to stop
I blink and you're gone

Should've been in love
We should've been in love
We should've been in love"

Você está lá, na boa, ouvindo o negócio, lembrando do Texas, pensando nas vaquinhas... E o cara (também conhecido como Jeff Tweedy) te faz pensar que é compreensível apanhar da vida e desencanar de algumas coisas. Desistir de algumas coisas. E te faz pensar sobre uma pessoa que desistiu da coisa errada, cuja mente corria em seus pensamentos, cujos sentimentos não conseguiam assimilar tanta informação ao mesmo tempo.

E tem músicas divertidíssimas, como Casino Queen e I Must Be High. Deste 'setor', devo citar Box Full Of Letters. Uma música muito alegre, até mesmo dançante (obviamente não para mim, no quesito bailarino da coisa), na qual Jeff Tweedy também me pegou de surpresa. Apenas hoje, após conhecer o álbum há tanto tempo, foi que eu percebi o quanto esta letra era expressiva:

Got a box full of letters
Think you might like to read
Some things that you might like to see
But they're all addressed to me

...

I got a lot of your records
In a separate stack
Some things that I might like to hear
But I guess I'll give 'em back

I wish I had a lotta answers
Cause that's the way it should be
All these questions
Being directed at me

Just can't find the time
To write my mind
The way I want it to read

Novamente, você está naquele clima bucólico, calminho de tudo, e ele te faz lembrar que quando um relacionamento acaba, os cds da pessoa ainda ficam na sua casa. E por mais que você queira ouví-los de novo, talvez até com a dita cuja, o melhor é devolvê-los e acabar logo com tudo. E as cartas desta pessoa se empilham, cheias de perguntas, para as quais você não tem as respostas (por mais que desejasse tê-las). E sobre como você evita pensar no assunto, e depois culpa a falta de tempo (ou o raio que seja) por não conseguir responder às cartas.

Eu já ouvi dizer que essa música fala das cartas de fãs que ele não consegue responder, e os discos das bandas dos fãs que eles mandam e ele não pode ouvir. Faz (bastante) sentido, especialmente pela primeira estrofe, mas com um pouco de esforço a interpretação anterior faz algum sentido também!

Depois de Should've Been In Love, o disco toma um rumo mais comedido, cadenciado, pendendo mais para o blues que para o country. Dash 7 chama a atenção, ao contrário da maior parte do disco, pela qualidade do som em si. Característica um pouco mais marcante do fim do álbum. Certamente é um disco que vale a compra (até mesmo o download até que a grana sobre para a aquisição), realmente espero que gostem. Também espero voltar para falar sobre A Ghost Is Born, outro maravilhoso e incontestável trabalho da banda.

Um bom feriado a todos!

Cheers!

Contraste

2010-08-15T23:50:00.003-03:00

Boa noite, meus caros,

Sugiro que leiam este post ouvindo estas duas músicas, nesta ordem.

1991

Escuro, não se vê nada. Não se sabe o que é ver. Barulhos que um dia seriam conhecidos como passos. Há uma luz no fim de um túnel mal iluminado, que na verdade era o corredor de um hospital. Vultos entravam e saíam por aquele feixe de luminosidade, mais rápido do que era possível acompanhar ou entender. Mais passos.

Chiaroscuro

E então, como se fosse mágica, a luz brilha intensa e penetra em sua pele com seu calor. E o céu - o que seria aquilo? - é de um azul tão bonito. Ele sente a vida em seu corpo, entende a beleza desse milagre. Todos estão bem arrumados, é um grande evento. Mas o céu, este sim, marcava sua presença.

Que experiência estranha essa, ser carregado daqui pra lá, olhando pra um ângulo completamente diferente do das pessoas. Elas olham pra frente, eu olho pra cima. Eu vivo outra realidade, não entendo esses barulhos do seu mundo. Não vejo como eles poderiam sair deste maravilhoso céu azul. Seria impossível!

Não deve ser fácil entender os barulhos desse mundo. Queria eu me lembrar do que fazia sentido tanto tempo atrás...

As músicas foram gravadas em conjunto pelo nosso conhecido e querido Thomas Meluch (Benoît Pioulard) e por Praveen Sharma - um artista cujas informações pessoais simplesmente não existem na internet - no disco chamado Songs Spun Simla.

Praveen fez uma viagem à cidade natal de sua família (Shimla, Índia), criando boa barte das harmonias inspiradas nessa viagem - até mesmo alguns samples de pássaros e trens são utilizados com bastante eloquência. Thom encarregou-se das letras e da voz, assim como algumas contribuições instrumentais. Há, neste trabalho, uma semelhança com outros trabalhos de Thomas, no sentido em que melodias muito delicadas e refinadas encontram-se envoltas por um caos sonoro (não como o Sonic Youth ou algo do tipo, mas ainda caótico), o que torna a percepção delas mais interessante.

O texto do post acaba resumindo os sentimentos causados em mim pela audição do disco. Confusão, nostalgia, euforia. Neste disco, em especial, é necessário sentir mais do que entender ou descrever.

Uma boa semana,

Cheers!

Contrast

2010-08-15T23:49:00.003-03:00

Good Evening,

I suggest that you listen to these two songs, in this order, while reading this post.

1991

Darkness, it is impossible to see anything. You don't even realize you can see. Noises that one day would be known as steps. There's a light at the end of a badly lit tunnel, which was actually a hospital corridor. Blurred figures went in and out of that source of luminosity, faster than it was possible to see or understand. More Steps.

Chiaroscuro

Then, as if by magic, an intense light shines and penetrates his skin with its warmth. And the sky - what would that be? - is such a beautiful blue. He feels life in his body, understands the beauty of that miracle. Everyone is dressed up, it is a big event. But the sky, that yes, had a glow in its presence.

What a weird experience, being carried from here to there, looking at the world from an angle completely different from the angle that people looked at the world from. They look forward, I look up. I live another reality, I don't understand the noises of your world. I don't see how these noises could come from this marvelous blue sky. That would be impossible.

It shouldn't be easy to understand the noises of this world. I wish I could remember what made sense such a long time ago...

The songs were recorded by both our well-known and dear Thomas Meluch (Benoît Pioulard) and Praveen Sharma - an artist whose personal information is simply not on the web - on the disc called Songs Spun Simla.

Praveen travelled to his family's native town (Shimla, India), creating a good share of the Songs Spun Simla's harmonies in this trip - even some sampling of birds and trains were used with great eloquence. Thom's job started with the lyrics and voice, also contrinuting with instruments. In this work, there is a resemblance with Thomas' other works, in a sense that very delicate and fine melodies find themselves surrounded by a musical chaos (not like Sonic Youth or anything, but still chaotic), which makes the perception of these melodies even more interesting.

The text of the post ends up summarizing the feelings caused by the record on me. Confusion, nostalgia, euphoria. In this record, specially, it is necessary to feel more than to understand or describe anything.

A great week for you,

Cheers!

A Alegria Sob Outra Perspectiva

2010-08-13T14:49:00.026-03:00

:: ouvindo the pains of being pure at heart - stay alive ::

Boa tarde, meus caros e pacientes leitores,

Hoje, proponho a você uma tarefa um tanto inusitada: pensar sob perspectiva de raciocínio de outro ser vivo. Um gato. Um gato? Do que gosta um gato? De dormir e de comer. E você faz carinho no seu gato, até que ele fique relaxado o suficiente e durma, e sonhe com sua tigela de ração!

Acreditem ou não, Prospect Hummer é uma música (que entitula o EP) basicamente sobre isso. Eu ainda iria mais longe, propondo que ela seja sobre uma pessoa, deitada no chão, olhando para um gato, imaginando-se o que pode passar na cabeça do bichano, a letra permite esse palpite. Tecnicamente, o esplendoroso trabalho vocal de Vashti Bunyan faz desse EP uma obra-prima, somando-se ao experimentalismo extremamente cru do Animal Collective: pode-se ouvir o arranhar das cordas ao se tocarem com as palhetas ou unhas. O trabalho todo explora um pouco desses sentimentos exóticos, ou ao menos mais primitivos. As alegrias mais simples, mais antigas. A filha de Bunyan disse poder 'ouvir sua mãe sorrir' enquanto escutava esta faixa em específico; fato confirmado pela cantora:

"My daughter says she can hear me smiling on the title track [...] and I was. I loved having the freedom to sing as I wanted. I was still finding my voice after burying it for years."

Acreditem no que ela diz: Vashti transborda liberdade de expressão; em poucos discos que ouvi em minha vida, pude notar uma expressão tão natural e verdadeira da felicidade. Talvez ela tenha um gato!

Uma boa semana!

Cheers!

"its quiet on my floor

except for a gospel ladies

just the smell of some wicked candles

makes me thinks into the ...

they wear light rimmed hats and joyful smiles

who loved to run up the street branch

and in the middle of it is a puddle of water

wind of faithful voices

whoa whoa whoa whoa whoa whoa whoa

whoa whoa whoa whoa whoa whoa whoa whoa whoa

whoa whoa whoa whoa whoa whoa whoa

whoa whoa whoa whoa whoa whoa whoa whoa whoa

whoa whoa whoa whoa

your cat is a friendly brother

whod offer his heart with allegience

and if he could talk we'd be best friends

the only friend he has is his food bowl

and he bites through... your boot

and for the commendable attention you give him

and you cuddle for a half an hour

and he dreams about his food bowl

whoa whoa whoa whoa whoa whoa whoa

whoa whoa whoa whoa whoa whoa whoa whoa whoa

whoa whoa whoa whoa whoa whoa whoa

whoa whoa whoa whoa whoa whoa whoa whoa whoa

whoa whoa whoa whoa

ill leave you in my heart

six or seven later

im still very very hungry

im still ranked in stones

like a ...

but my heaven is all around me

and theres lulu (?) in my body

have i eaten all the very good dates now

is our night worth contemplating?"

Garotas no Havaí

2010-08-02T02:00:00.008-03:00

:: ouvindo Dave Dee, Dozy, Beaky, Mick & Tich - Hold Tight ::

Bom dia (?),

Venho adiando muito pra escrever sobre esta banda: às vezes por preguiça, às vezes por decidir escever sobre outra; principalmente, por me esquecer. Por capricho do destino, acabei me lembrando deles após a morte do baterista, que parece (torçamos para que não seja) o anúncio do fim da banda. Conheci esta banda no finado blog Freak Box e, admito, não tinha achado lá grande coisa no começo. Mas a verdade é que os caras são muito bons!

O Girls in Hawaii é uma banda de música pop. Mas o que isso significa: música pop? Gosto de definir como música de melodia relativamente previsível e palatável. Em um primeiro instante, estes adjetivos parecem depreciar a banda, desqualificá-la. Eu discordo disso, não acho que boa música tem de ser necessariamente imprevisível, difícil de ouvir e gostar. Mas se você concorda com isso, eu ainda tenho alguns argumentos que talvez convençam você a escutar os Garotas no Havaí: Primeiro, assim como The Apples in stereo, Girls in Hawaii possui, sim, melodias 'fáceis', ou seja, você decora as melodias rápido, por vezes é possível adivinhar a próxima nota. Só que o caminho entre uma nota e outra é primoroso, é pensado nos mínimos (e numerosos) detalhes, por ambas as bandas. Também como The Apples in stereo, o Girls in Hawaii recebe, pela crítica, o rótulo indie. Eles vêm da Bélgica, mas realmente merecem o rótulo. É a globalização...

Além disso, a rapaziada espreme esse conceito 'pop' até a última gota: uma melodia, um temazinho de 30 a 40 segundos se repete pela música toda, às vezes nem a letra muda. Resultado final: incessante repetição de música boa. Sabe aquela coisa de ouvir a mesma música mil vezes, de tão boa? Pois é...

O trabalho vocal merece muito, mas muito destaque. Duas vozes, quando não mais, fluem através das canções em uma distancia melódica muito curta, algo extremamente trabalhoso, que exige, mais do que (muitos e cansativos) ensaios, simplesmente talento. Bees and Butterflies, cujo vídeo você pode assistir aqui embaixo, é talvez o maior exemplo desta refinada característica:

Especialmente neste álbum de que tanto gosto, From Here to There, o Girls in Hawaii soa límpido. Eles não têm medo de dar a cara a tapa, usam os instrumentos plugados no amplificador, sem efeitos, pra se ouvir os dedos direto nas cordas. E tem passarinho cantando, tem aguinha caindo da cachoeira, facinho, facinho de ouvir... Você, caro leitor, pode se assustar se o rapaz se transformar em um guitarrista que chuta porta de aço e morde abelha, porque ele realmente vira macho no fim do disco, com um pouco mais de distorção, econômico nas notas. Eu me assustei, admito. Só que mesmo na porrada, o GIH é bastante sutil e, especialmente, homogêneo, no sentido de que mesmo aparentemente destoante um pouco antes do final, o disco é um todo sólido, límpido, e mesmo a guitarra 'suja' é ouvida com clareza, nota por nota. Vale ouvir!

Girls in Hawaii - From Here to There [download]

1. 9:00 Am
2. Short Song For a Short Mind
3. Time to Forgive the Winter
4. Casper
5. Found in the Ground
6. Ship on the Sea, The
7. Fog, The
8. Fontanelle
9. Flavor
10. Organeum
11. Bees & Butterflies (Down)
12. Catwalk

Cheers!

Bom Inverno

2010-07-16T02:00:00.002-03:00

:: ouvindo Boards of Canada - Kid For Today ::

Boa noite,

Escrevo a vocês direto da 'terra da garoa', meu lugar favorito neste país. Luzes, carros, prédios, pessoas, caos. Em meio a tanta coisa, tanta quantidade, imagina-se que é difícil se sentir sozinho aqui. Meus caros, é aí que o erro acontece. Uma coisa é sentir-se sozinho em meio ao nada, em meio a um isolamento involuntário, outra muito mais deprimente é se sentir sozinho em meio à multidão. Enquanto na primeira situação as pessoas são uma esperança, nesta as pessoas são culpadas.

Justin Vernon se enclausurou, se isolou, o que acaba o excluindo das duas situações previamente abordadas. É um isolamento físico, porém voluntário e, desta forma, pessoas deixam de ser uma esperança; de fato, pessoas foram uma das causas de seu retiro. O término de um namoro e de uma banda unidos a uma certa fragilidade de sua saúde o levaram ao topo dos Grandes Lagos, em Wisconsin, para a reclusão em uma cabana por 3 meses. Sua intenção era passar o inverno sentindo o frio, sozinho, trabalhando seus problemas, tentando se recuperar dos traumáticos eventos recentes. Por sinal, o nome da banda na qual Vernon obteve seu ápice de reconhecimento pelo público e pela imprensa - Bon Iver - vem de uma expressão do idioma francês: ele assistia a uma série na TV na qual pessoas saíam de suas casas no Alasca e desejavam umas às outras 'bon hiver' (bom inverno), logo após a primeira nevasca da estação. Isto acabava traduzindo o espírito de seu isolamento. Em nenhum momento, escrever músicas fez parte do plano. Eu acredito que é assim que as coisas boas acontecem: sem querer. Você dá sua cara a tapa, se arrisca, tenta coisas novas, coisas velhas, então resultados positivos aparecem. Eventualmente, as composições apareceram, e assim nasceu For Emma, Forever Ago, um dos grandes discos da década passada.

FEFA (ok, essa abreviação ficou engraçada... 'féfa') é um trabalho musical minuncioso, com vocais extremamente refinados, alguns deles pesadamente mixados. Uma coisa que li e que faz extremo sentido é que as composições melódicas foram feitas antes das letras; somente então as palavras eram colocadas, seguindo a métrica silábica dos acordes. Em Blindsided, esta característica salta aos ouvidos. Eu posso jurar que ouvi uma garota com voz de anjo em Flume cantando ao fundo com Justin, mas a wikipedia me diz que nenhuma moça participou da gravação do disco. Duvido. Em geral, apesar dos vocais 'extravagantes', é um disco que pode ser considerado minimalista. Os poucos instrumentos utilizados - a guitarra semi-acústica, um sintetizador, uma bateria - possuem uma complexidade muito grande, apesar de ser um álbum relativamente 'fácil de ouvir'.

A temática do disco é óbvia. Contudo, saber que o rapaz vai falar de dor de coração não é suficiente pra entender por que o disco é bom. É porque existe uma diferença grande entre o artista que expressa seu verdadeiro sentimento e a prostituta musical que chora porque sabe que haverá aceitação e identificação em massa com aquilo.

Someday my pain will mark you. Meus caros, eu sei do que esse rapaz tá falando. Olhar nos olhos da pessoa que você ama e não ver nada que não seja dor causada por você é excruciante. Especialmente se você está dizendo adeus. E é exatamente o momento da despedida que Vernon - em The Wolves (Acts I and II) - consegue traduzir da maneira mais brilhante possível: uma bateria completamente caótica em um crescendo:

"O sol, que mal aparecera durante o dia todo, se despedia de Wisconsin, caprichosamente no mesmo momento em que a porta bateu.

- Oi.

- Oi. Entre.

A porta se fecha silenciosamente.

- Quer um chá? Está ventando muito, acho que vai chover, pode fechar a janela?

- Não quero, obrigada - disse Ela, enquanto caminhava em direção a janela.

Houve um longo silêncio. Ele percebeu que não adiantava adiar a conversa com papo furado. Não seria um comentário sobre o vestido de 'florzinhas' (o qual ele tanto gostava de vê-la usar) ter ficado legal com a jaqueta jeans que mudaria alguma coisa.

- Aquilo que a gente conversou no telefone... Você não acha que...

- Sim, eu tenho certeza - Ela o interrompeu, com convicção tamanha que chegava a ser cruel.

Ele fez uma pausa, de costas para ela, tentando em vão controlar e esconder as lágrimas que vinham. O cheiro de hortelã tomou conta da sala assim que ele despejou água quente sobre as folhas recém colhidas. Era uma sensação estranha, sentir este aroma tão bom e reconfortante em um momento como este. - Ainda não acabou para mim.

- O que eu devo fazer, esperar até você entender?

- A gente viveu tanta coisa boa junto...

- Acabou. Me desculpe, mas acabou.

- Não assuma essa postura. Eu não fui feliz sozinho.

Silêncio. Ela não olhava nos olhos dele.

- Você se esqueceu de tudo?

- É melhor eu ir embora.

Ele notou, então, que havia uma marca de sol no dedo Dela, ao invés de um anel prateado com seus nomes gravados na parte interior. Ele não podia se mover, as palavras não saíam. Foi com esta visão que Ele pôde realmente compreender o que estava acontecendo. Ele não conseguia reagir.

- Guarde os bons momentos e siga em frente.

Ela tirou o guarda-chuva de sua bolsa ao abrir a porta. À medida em que Ela se aproximava de seu carro, a chuva ficava mais forte. Mais forte. Mais forte. Não era possível encontrar ritmo no barulho que a chuva fazia no telhado. Imóvel, segurando seu chá, ele viu o carro diminuir até sumir de vista."

Bon Iver - For Emma, Forever Ago

(clique para abrir o link do Pirate Bay)

1 - Flume

2 - Lump Sum

3 - Skinny Love

4 - The Wolves (Acts I and II)

5 - Blindsided

6 - Creature Fear

7 - Team

8 - For Emma

9 - re: Stacks

Uma boa semana a todos. Voltarei em breve.

Cheers!

Intermission

2010-06-28T00:02:00.001-03:00

::ouvindo Bon Iver - Babys ::

--

Breve intervalo para tentar arrumar o que já foi pro saco na faculdade.
Volto em breve.

Late Night Music - Viagem

2010-06-22T19:00:00.003-03:00

:: ouvindo Deerhunter - Cover Me ::

belíssimo fim de tarde carioca

O sol vai se despedindo do mar no Rio de Janeiro. A luz refratada entre nuvens e coqueiros é amarela, é rosa, é vermelha, é fraca, não é. O espetáculo da natureza emociona, mas 'se você disser que eu desafino, amor, saiba que isto em mim provoca imensa dor'. A bossa nova dita o tom da noite no Rio de Janeiro, mas poderia ser também em Nova Iorque.

Em oposição a isso, a noite de Belo Horizonte, orgulhosa como todo mineiro que se preze, não dá espaço para ambiguidades geográficas, mesmo que a influência do jazz, embora com menos força do que na bossa, continue presente no Clube da Esquina. Tem alguma coisa no violão de Clube da Esquina n°2 que remete aos morros de Ouro Preto. Tem alguma coisa no cabelo louro da mineira que traz uma luz momentânea em meio à noite da Savassi e faz lembrar campos de girassois.

Enquanto isso, em Londres, Robert Smith espera ansiosamente por um telefonema que não ele recebe. A guitarra, a bateria e a goteira da torneira marcam o tempo passando, a espera se extendendo, a paciência se acabando. A impaciência se mistura às memórias tristes de ontem. 'Onde será que ela está?'

Um disco toca Ike's Rap II, de Isaac Heyes, em Bristol. Mas não se engane, pois Beth Gibbons, com sua inconfundível voz, deixa claro que é o Portishead que está na vitrola. A madrugada se inicia.

Em uma Nova Iorque mais recente que a da bossa, podemos ouvir um violão tocando dois acordes. Alguém se apresenta como Jorge Regula e fala sobre filmes, planos, comida e amor. E , debaixo de um edredon, a sugestão 'let's go to sleep', sussurrada, parece cada vez mais pertinente.

Acontece que tem uma garota. Ela tem uma rosa em seu sorriso. Ela diz saber de tudo, e ela sabe. Só que ela é ingênua. A dona da mais bela das vozes não consegue dormir, pensando no que deve ensinar a ela. O aroma de hortelã toma a sala, saindo da caneca de porcelana de Hope, que aquece suas delicadas mãos. O azul do céu já não é mais tão escuro; é uma questão de horas para que o sol raie sobre a Califórnia.

noite em Sheffield

505. Este era o número do apartamento para o qual o sr. Turner precisava voltar. O vento soprava gélida e impiedosamente sobre Sheffield, fazendo as janelas do quarto dele baterem; como se ele precisasse de mais alguma coisa para mantê-lo acordado. A única coisa que passava por sua cabeça era a imagem dela, deitada de lado com as mãos entre as coxas, sorrindo. E, no bater das janelas, o primeiro raio de luz encontra seu rosto.

[download da playlist]

1 - João Gilberto & Stan Getz - Desafinado (Off Key)
2 - João Gilberto & Stan Getz - Corcovado (Quiet Nights Of Quiet Stars)
3 - Milton Nascimento & Lô Borges - Clube da Esquina n°2
4 - Milton Nascimento & Lô Borges - Um Girassol da Cor de Seu Cabelo
5 - The Cure - 10:15 Saturday Night
6 - Portishead - Glory Box
7 - Moldy Peaches - Jorge Regula
8 - Hope Sandoval & The Warm Inventions - Charlotte
9 - Arctic Monkeys - 505

Música Com Cheiro De Terra

2010-06-16T18:30:00.010-03:00

:: ouvindo Archive - So Few Words ::

Boa Tarde,

Não é fácil criar coragem para falar sobre o que estou prestes a falar; não sobre o assunto em si, cada assunto difere em importância para diferentes pessoas. Este é importante para mim. Falo sobre Rook, um dos melhores discos da década passada, da maravilhosa banda Shearwater.

Esta banda mexe com sentimentos rústicos, primitivos, animalescos, através de uma ambientação poética orgânica e natural. Ouvir Shearwater é como voltar à época das cavernas: o medo passa a ser menos idealizado e mais real. A 'selva' permite a Jonathan Meiburg, vocalista e principal mente criativa da banda, falar sobre a corrida que não é mais esporte, mas uma competição pela vida. Ouvir este disco por tantas vezes me levou a refletir sobre o quanto a vida moderna / urbana é segura. Contudo, o ser humano não foi feito para viver neste ninho de proteção. Esta ausência de atividade, de movimento, de necessidades é causa de muitos distúrbios emocionais. Não há espaço para depressão, existencialismo, filosofia ou questionamentos intelectuais enquanto você ainda não almoçou. Especialmente quando sua comida está viva, corre bem e 'tá esperta'!

Dito isso, o resto é com a banda. Quero dizer, não adianta agora eu querer descrever o medo, o pavor, e a incapacidade de reagir frente ao invencível como foi tão brilhantemente feito por eles em On The Death Of The Waters:

"as the spindle
flies apart
turn your bow to the biggest wave,
but your angel's on holiday
and that wave rises slowly
and breaks"

E a guitarra entra, dando a impressão de que se está 'tomando um caldo' da onda. Isto acaba resumindo muita coisa: que tipo de calamidade urbana, criada pelo homem, pode ser tão destrutiva e invencível quanto uma onda que se ergue frente ao barco, já fragilizado pela tempestade?

On The Death Of The Waters

E quanto ao papo da comida? Esse é mais complicado. Imagine você, Leopardo da Neve, caminhando arduamente pelas montanhas até que você enxerga sua presa. Tudo pára. Você fica imóvel, estático, esperando pelo nanossegundo de vacilo da 'comida' para transformá-la em tal. Ela parece distraída, você arma o bote. Então passa um pássaro atrás de você gritando, histérico, o que chama a atenção da presa para o seu lado. Ela te vê e corre, não para completar a São Silvestre, mas pelo simples e mais do que suficiente instinto de permanecer viva. Você terá a determinação, a paciência para encontrar outra 'potencial refeição', agir corretamente e ainda torcer para que nenhuma externalidade te atrapalhe? Esta é a pergunta feita em The Snow Leopard. Devo adicionar que o questionamento tem o foco na determinação, em si, e não no âmbito gastronômico da coisa. Isso acontece porque não apenas comer é um desafio que nós não mais enfrentamos em nossas vidas urbanas, mas também subir uma montanha, cruzar grandes distâncias, manter-se vivo. E foi através da caça que um fã ilustrou isso, no vídeo de The Snow Leopard, em que é a música sincrozinada com imagens típicas de documentários da BBC:

(Impressionante como este vídeo me arrepia toda vez que o assisto. A guitarra, maestralmente sincronizada para moer o mundo exatamente quando o Leopardo inicia o ataque sobre sua presa, fala mais do que mil palavras.)

A letra de Home Life, meus caros, expressa esse primitivismo de maneira muito inteligente. A perspectiva de uma criança, cujos horizontes ainda não são limitados pela sociedade (ela nem compreende o conceito) possui esta característica rústica, pura, pré-Colombiana, no sentido de que ela é senhora de sua realidade, poderosa. Talvez seja justamente por não questionar sua realidade, nem por sua composição ou por sua magnitude, que esta sensação de satisfação e poder possa aflorar. Os garotos saem 'à caça'.

"on cliffs that tower from the rising seas
their bonfire glow
where a tiger lies
and, cleaning their weapons,
they laugh at his useless
claws, and all:
it is a beautiful night
to be born to this life
and grind his every bone to powder!"

Home Life

Estas foram minhas três canções eleitas para falar sobre o disco, o que não quer dizer que elas são suficientes para conhecê-lo bem, apesar de seu poder ilustrativo. O disco todo vale a pena, é um clássico da última década, de fato. Vale a compra!

Até a próxima semana.
Cheers!

Para Flavia Martucci

Music That Smells Like Land

2010-06-16T18:29:00.002-03:00

:: listening to Archive - So Few Words ::

Good afternoon,

It's not easy to have the guts to talk about what I'm about to; not the subject itself, because each subject differs in importance for each individual. This one is important to me. I'll talk about Rook, one of the best albums of the last decade, by the marvelous band called Shearwater.

This band deals with rustic, primitive, animalistic feelings in a very organic and natural poetic atmosphere. Listening to Shearwater is like going back to the caves: the fear becomes less idealised and more real. The 'jungle' allows Jonathan Meiburg, who leads both the vocals and the creative work on the band, to talk about the race that is no longer a sport, but a competition for life. Listening to this album so many times has made me think about how modern / safe urban life is. However, the human being was not designed to live in this nest of protection. This absence of activity, of movement, of necessities is the cause of many emotional disturbs. There's no room for depression, existencialism, philosophy or intelectual questions if you still haven't had lunch. Specially if your food is alive, fast and 'on the alert'.

That said, the rest is with the band. I mean, there's no point on describing the fear, the terror and the inability of reacting to the invincible, as it was so brilliantly done by them on On The Death Of The Waters:

"as the spindle
flies apart
turn your bow to the biggest wave,
but your angel's on holiday
and that wave rises slowly
and breaks"

And the guitar breaks in, giving the impression that the wave is attacking you. That ends up summarizing one fact: what kind of urban calamity, created by men, can be as destructive and invincible as a wave that rises over the boat, already weakened by the storm?

On The Death Of The Waters

How about the food talk? This one is a bit more complicated. Mind you, Snow Leopard, hard walking through the mountains until you see your prey. Everything stops. You stand motionless, static, waiting for the nanosecond of hesitation of the 'food' to turn it into such. It seems distracted, you set the lunge. Then a bird flies behing you screaming, histerical, which draws the attention of the prey to your position. It sees you and run, not to complete the New York Marathon, but for the simple and more than sufficient instinct of survival. Will you have the determination, the patience to find another 'potential meal', act correctly and still hope that no external interferences stop you? That's the question made in The Snow Leopard. I should add the the questioning is focused on the determination itself, not on the gastronomic talk. That's because eating is not the only challenge we don't have to face in our urban lives, but also climbing a mountain (or simply 'up'), reaching distant places, remaining alive. And it was through hunting that a fan was able to ilustrate that, on an unofficial video for The Snow Leopard, on which the song is synchronized with typical BBC documentary images:

(It's impressive how this video makes my blood run cold everytime I watch it. The guitar - surgically timed to grind the world in the exact moment when the Leopard attacks its prey - speaks more than a thousand words.)

The lyrics of Home Life, my dear readers, express this primitivism in a very clever way. The perspective of a child - whose horizons are not yet limited by the society (a child doesn't even understand that concept) - has this rustic, pure, pre-Columbian characteristic, in the sense they have complete control over their reality; children are powerful. Maybe it's exactly because they don't question their reality, neither its composition nor its magnitude, that this sense of satisfaction and power can emerge. The boys 'go out hunting'.

"on cliffs that tower from the rising seas
their bonfire glow
where a tiger lies
and, cleaning their weapons,
they laugh at his useless
claws, and all:
it is a beautiful night
to be born to this life
and grind his every bone to powder!"

Home Life

These were the three songs I chose to talk about the record, which doesn't mean they're enough to know it well, despite their summarizing power. The whole record is worth listening. It's a classic of the last decade, indeed. Worh purchasing!

A good week for you.
Cheers!

To Flavia Martucci

A Juventude Como Ela É

2010-06-07T18:00:00.023-03:00

:: ouvindo Beach House - Apple Orchard ::

OLÁ! (pequena homenagem a Paulo Antunes)

Sempre que vamos escrever sobre algo, corremos o risco de idealizar, de imaginar, de amplificar as coisas que foram. Meus caros, acho que através deste blog eu mostro a minha capacidade de hiperbolizar a memória em relação ao acontecimento, ao sentimento momentâneo. Muitas vezes acaba sendo inevitável; talvez façamos isso porque falta emoção, porque não temos o suficiente para contentar nossa imaginação sobre a vida hollywoodiana que desejaríamos ter. Talvez seja simplesmente uma incapacidade de conter nossa imaginação, de modo a separá-la da realidade. Aí, a infância que tivemos foi a melhor de todas, os tempos de faculdade foram os melhores e não voltam mais, aí não existe mais banda como os Beatles, as mulheres já não são mais as mesmas... Quem nunca ouviu o vô falar 'eu na sua idade, rapaz...' Basicamente, pra ser bom, precisa acabar.
Pois é, falar sobre a juventude sem assumir partidos não deve ser fácil, especialmente (porém não exclusivamente) para quem já não mais vive essa época. Talvez seja este o principal motivo de eu estar aqui falando a vocês sobre Teenager, um disco desta ótima banda irlandesa, The Thrills.

Em geral, o som desses caras parece inofensivo. Eles fazem músicas que pegam fácil na cabeça, o que acaba mascarando a bizarrice do som deles, por diversas vezes. Por trás de um britpop extremamente palatável, escondem-se bandolins, sintetizadores fazendo sons de tiros no atari (ou algo parecido com isso, mas nada mais me vem a mente), às vezes alguma coisa de música country (como em One Horse Town, do disco So Much Fot The City, talvez o mais repleto das bizarrices), até mesmo sua nacionalidade é misteriosa, dada a intimidade com que o som desta banda 'dialoga' com a música pop americana. É um som extremamente bem produzido, límpido e agradável, uma banda que faz música tecnicamente como poucas o fazem atualmente.

O que dá mais credibilidade ao Teenager enquanto relato imparcial e fiel da juventude são suas letras. Enquanto falando do jovem, as canções contém euforia, (ingênua) esperança e até certa imprudência. Um trecho de The Midnight Choir:

"Slow down lately lives are moving too fast
Put your money down and we'll make it last
By dawn we'll be out of here.
The marching band play for the families through the streets, beautiful symphonies.
Let's walk through the park while the trees are still there."

Até mesmo uma visão mais bem humorada do fatalismo, da intensidade com que a vida é vivida é retratada em There's Joy To Be Found:

"I know things might seem hopeless now"

Com uma casca grossa, cheio de arrependimentos, o 'velho' fala com o jovem em Shoud've Known Better:

"A harbour dance, I didn't live my youth with sufficient recklessness
Yeah I envy your youth, yes I envy your youth, I envy your youth, yes I envy your youth.
But looking at you now girl
I know we'll never be haunted by such doubts.
Yes it's clear as the day yes it's clear as the day
It's clear as the day, yes it's clear as the day
I once had big dreams like you girl
I once had big dreams like you girl
I once had big dreams like you girl
But they're hard to sustain in this world"

Musicalmente, o disco é muito vivo, intenso. As cordas estridentes do bandolim marcam o disco como um todo, não sem motivo; elas traduzem, ou melhor, caricaturizam essa euforia do álbum. O trabalho vocal, como tudo que o Thrills já fez, é primoroso; no apoio, vários recursos como 'uauuu' ou 'lalalalala' seriam bregas ou anacrônicos se não fossem utilizados com a propriedade com que eles o fazem. É parecido com muito do que eles já fizeram, mas cada disco tem sua particularidade. Este, além dos bandolins, tem um apelo menos moderno, no sentido de que os instrumentos são utilizados de uma forma mais crua, rústica. É sempre bom não confundir esta crueza dos instruentos com simplicidade. Não que música simples seja algo ruim; simplesmente, a deles não é.

Deixo para vocês, meus caros, o disco para download bem aqui. Espero que curtam!
Cheers!

Post dedicado ao Vini.

Entrevista - Benoît Pioulard

2010-05-26T15:04:00.024-03:00

:: ouvido Kayo Dot - The Manifold Curiosity ::

fotos do post gentilmente cedidas por Thomas Meluch

Boa tarde, meus caros!

É com imensurável alegria que escrevo hoje, pois o Anti Determinista tem sua primeira entrevista exclusiva! Com ninguém menos que um dos meus artistas favoritos, Thomas Meluch (que lança seus discos sob pseudônimo de Benoît Pioulard).

Este artista norte-americano se aventura em campos musicais complexos, tendendo a soar como um folk adicionado de música eletrônica, tudo em um ambiente de experimentalismo. Uma atmosfera sonora que a alguns passa calma, a outros, tristeza, alegria, nostalgia. É música rica em detalhes, como um rabiscar de lápis a marcar seu tempo, trocas sutis de acordes... Enfim, é uma grande honra poder entrevistar este artista, que, apesar da pouca fama, produz música de grande qualidade e extrema carga sentimental.

Primeiramente, gostaria de agradecer por nos conceder esta entrevista.
Não há de quê - é, de fato, um prazer para mim, e é legal saber que minhas simples gravações caseiras têm conseguido viajar a lugares onde nem eu mesmo pude estar.

Quanto às questões, eu gostaria de começar perguntando por que você escolheu Benoît Pioulard como pseudônimo. Qual sua conexão com a língua francesa?
Minha mãe sempre amou a França. Ela tinha uma visão de alguma forma idealizada da cultura Francesa como um contraste em relação a natureza homogenizada e comercializada do que tendemos a ver aqui nos EUA... Ela me matriculou em um programa básico de Francês para crianças quanto eu tinha 6 ou 7 anos de idade, e a língua tem sido parte de minha consciência desde então - uma experiência muito construtiva, certamente. Eu estudei o Francês pelo resto da minha educação básica e o adotei como parte do meu currículo na Universidade; foi neste ponto que comecei a ter sonhos em Francês e o nome Benoît apareceu em algum momento, então passei a utilizar este nome arbitrariamente em algumas músicas que gravei para um amigo quando tinha 19 anos. A partir de então pareceu fazer sentido manter este pseudônimo; não saberia dizer um motivo que fosse algo além de intuição.

Como você descobriu que seria um músico? Foi algo que você ouviu? Houve influência de amigos, família..?
Eu não me considero um músico propriamente dito, já que sou treinado tecnicamente apenas no piano e já perdi muito das habilidades que desenvolvi durante meus anos de prática (entre 5 e 13 anos de idade)... Todo o resto foi fruto de auto-didática e tocado 'de ouvido' - por exemplo, eu provavelmente conheço apenas 2 ou 3 'acordes formais' no violão, no máximo.
Quanto ao que me influenciou musicalmente no passado, acho que eu tive um certo impulso para todo um determinado conjunto de estética - por exemplo, eu comprei o Washing Machine do Sonic Youth quando eu tinha 10 anos de idade porque eu gostei da capa, e fiquei extasiado por "Becuz" e "The Diamond Sea" já que eu nunca tinha ouvido arranjos de guitarra como aqueles e me perguntava por que mais pessoas não tentavam encontrar um som como aquele. De lá eu descobri outros favoritos duradouros como Brian Eno (seus primeiros quatro álbuns especificamente), Mogwai e Boards of Canada em minha adolescência, e realmente me tornei um seguidor ávido de Labradford e do catálogo do selo kranky muito antes de até mesmo sonhar em enviá-los um demo. Meu pai toca violão no que você pode chamar de um estilo bastante tradicional, mas não há outros músicos em minha família.

Como você definiria sua música? O que traz esta bela e sombira atmosfera?
Eu tenho pensado muito nisso... É facil dizer que 'rótulos e gêneros não fazem sentido - realmente não fazem - mas eu ainda não sei o que dizer a estranhos quando eles me perguntam isso. Eu me dei por satisfeito com a descrição 'baladas de textura', o que quer que isso possa significar para você. Qualquer 'escuridão' que possa parecer estar no som é, em minha opinião, um expurgo de qualquer e toda energia negativa que eu esteja processando enquanto escrevo ou gravo. Eu não me considero uma pessoa sombria, na verdade sou bastente otimista. Recentemente, eu estava exaltando o brilhantismo do meu filme favorito - Terra de Ninguém (Badlands), de Terrence Malick - para minha noiva, e percebi que minha extrema afinidade pelo filme é baseada na minha percepção dele como um retrato espantosamente belo de um personagem terrívelmente perdido e triste/melancólico [dark]. O mundo está repleto desse equilíbrio, o empurra e puxa, é uma maré puxando você para fora e dentro em seus caprichos e está fora de seu controle. Mas a mera existência é um milagre, uma convergência de um milhão de acidentes e imprevistos. Tudo o que eu faço é uma tentativa vã de responder.

Pessoalmente, Sous La Plage é minha música favorita que você fez. Sinto uma mistura de depressão e nostalgia [saudade da felicidade passada, mesmo], que são quase redundantes na maioria das vezes. É uma música especial para você também? Houve alguma inspiração específica?
Por um longo tempo essa era minha música 'menos favorita' do disco, e quase não foi incluída - soava alegre demais pra mim, de verdade. As palavras foram escritas em um momento de inspiração após passear através do meu bairro e ficar parado em pé, olhando o céu brilhante, cheio de enormes nuvens cor de rosa que pareciam de papel picado.

Você conhece/gosta de música Brasileira?
Eu adoro Caetano Velsoso, Gal Costa e Antonio Carlos Jobim (eu sei, os previsíveis, mas existe um motivo para eles serem os previsíveis)... Já me disseram que alguns elementos dos ritmos que escolho são reminiscentes de uma 'sensação brasileira', e eu não duvido que isso seja verdade. Muitas coisas como estas aparecem para mim em retrospectos flagrantes, que eu nem percebi enquanto escrevia.

Qual a sua opinião em relação a download de músicas na internet? Você acha que isso realmente é tão importante enquanto um meio de divulgação do seu trabalho, ou que os contras são maiores que os prós?
Ultimamente eu estou feliz que as pessoas estão ouvindo minhas músicas e buscando-as desse jeito [através da internet]... É claro que a situação mais justa é quando a pessoa paga pelo produto - e isso é o que a música é - para que o criador continue criando, mas música e tecnologia estão definitivamente convergindo de uma maneira em que nem sempre a justiça acontece. Fico estupefato e humilhado/rebaixado com o fato de que eu consegui um centavo que seja com as coisas que eu crio, simplesmente porque eu percebo que existem músicos muito mais competentes e que trabalham muito mais duro e ainda têm que se apresentar para platéias de bar que nem ao menos olham para eles enquanto eles tocam.

Para quando podemos esperar o lançamento de seu próximo disco?
Outubro deste ano. Chama-se "Lasted".

O Brasil ou qualquer outro país da América do Sul faz parte dos seus planos para a próxima turnê?
Infelizmente, não; eu não tenho os recursos ou locais potenciais suficientes para justificar uma viagem à América do Sul do jeito que as coisas estão, embora eu esteja gostando bastante de viajar em turnê mais do que eu sempre esperei, desde a primeira vez que saí em turnê na última primavera. Espero que aconteça...

thanks!
tom

--

Gostaria de, mais uma vez, agradecer ao Thomas por ter sido tão gentil e atencioso. Ele me disse que prefere suas músicas em 'streaming' no blog, então simplesmente deixo aqui o myspace dele, assim como seu site oficial, onde será possível fazer isso. Para finalizar, deixo também este vídeo, em que se passa a filmagem do que parecem ser as férias de algum anônimo com Sous La Plage ao fundo. Uma belíssima obra de arte acidental, que acaba traduzindo a alegria citada na entrevista por ele, assim como o sentiento nostálgico causado em mim.

Boa semana a vocês, meus caros! Espero que esta tenha sido apenas a primeira!
Cheers!

Interview - Benoît Pioulard

2010-05-26T15:03:00.001-03:00

:: listening to Kayo Dot - The Manifold Curiosity ::

the pictures of this post were kindly provided by Thomas Meluch

Good Afternoon,

It is with unmeasurable joy that I write today, as Anti Determinista has its first exclusive interview! And with no less than one of my favourite artists, Thomas Meluch (who releases his records under the pseudonym Benoît Pioulard).

This north american artists tries his luck in complex musical fields, tending to sound like folk with some electronic music additions, all in an enviroment of experimentalism. A musical atmosphere that feels calm to some; happy, sad and nostalgic to others. It's music rich in details, like the scratching of a pencil to define its pace, sutil chord changes... Anyway, it is a great honor to be able to interview this artist, who produces excellent music with a great deal of sentimentalism in it.

First of all, I'd like to say thanks for conceding the blog this interview.

You're very welcome - my pleasure indeed, & it's nice to know that my simple home recordings have been able to travel to places that I myself have not been...

As for the questions, I'd like to start by asking why you've chosen Benoît Pioulard as a pseudonym? What's your connection with the French language?

My mother has always been something of a Francophile, with a somewhat idealized view of French culture as a foil to the homogenized & commercialized nature of what we tend to be fed here in the United States... She started me on a basic French program for children when I was 6 or 7 years old, so the language has been a part of my consciousness since then - a very formative experience to be sure. I studied it through the rest of my basic education & adopted it as part of my curriculum at University; at that point I began to have dreams in French & the Benoit name appeared somewhere along the line, then was applied arbitrarily to some songs I recorded for a friend when I was 19 years old. From there it seemed to make sense to keep it; I couldn't tell you why, beyond a basic intuitive feeling.

How did you find out you'd be a musician? Was it something you listened to? Were you influeced by family, friends?..

I don't think of myself as a proper musician really, as I'm only technically trained on the piano & have long since lost many of the skills I developed during those years (ages 5-13)... Everything else has been self-taught & played by ear - for example I probably only know 2 or 3 'actual' chords on the guitar, at most. Looking back on the music that has influenced me I find that I've had a pull towards a certain set of aesthetics all along - for example I bought Sonic Youth's "Washing Machine" when I was 10 years old because I liked the cover art, & became entranced by "Becuz" and "The Diamond Sea" as I'd never heard guitar arrangements like that & wondered why more people didn't endeavor to find a sound like that. From there I discovered other perennial favorites like Brian Eno (his first four albums specifically), Mogwai and Boards of Canada in my teen years, & actually became an avid follower of Labradford and the kranky catalog long before even dreaming of sending a demo to them. My father plays some guitar in what you'd call a fairly traditional style, but there aren't really any other musical members of my family.

How would you define your music? What brings that beautiful dark atmosphere to it? What are your influences?

I have thought about this a lot... It's easy to say 'labels and genres are meaningless' - they are - but I still don't know what to tell strangers when they ask. I've settled on the description 'texture ballads', whatever that might mean to you. Any darkness that might seem to be in the sound is, in my opinion, an expunging of any & all negative energy that I'm processing while writing & recording; I don't consider myself a dark person at all, in fact I'm quite an optimist. I was recently extolling the brilliance of my favorite film - Terrence Malick's "Badlands" - to my fiancée, and realized that my extreme affinity for it is based on my perception of it as an astoundingly beautiful portrait of a terribly dark & lost character. The world is full of this balance, this push and pull; it's a tide drawing you out & in at its whim & it's beyond your control. But mere existence is a miracle, a convergence of a million accidents and contingencies. Everything I make is a vain attempt to respond.

Personally, Sous La Plage is my favourite song of yours. I sense a mix of depression and nostalgia, which are almost redundant most of the times. Is it a special song for you too? Was there any special inspiration for writing it?

For a long time this was actually my least favorite song on the record, and almost didn't get included - it sounded too happy to me, really. The words were written in a blaze after walking through my neighborhood & being stopped dead in my tracks by a brilliant sky full of huge, pink clouds that looked like shredded paper.

Do you know/like any Brazilian music? If so, what is(are) your favourite Brazilian artist(s)?

I adore Caetano Veloso, Gal Costa and Antonio Carlos Jobim (I know, the predictable ones, but they are renowned for a reason)... I have been told that certain elements of the rhythms I choose to include are reminiscent of a Brazilian feel, and I don't doubt this is true. A lot of things like this have appeared to me in retrospect as blatant rip-offs that I didn't even realize when I was writing them.

What is your opinion about music downloads on the internet? Do you think it is really that important as a way to publish your work, or you think its cons are greater than its pros?

Ultimately I am glad that people are hearing my songs and seeking them out as they are... Of course it's the most just situation when one pays for a product - and that's what music is - so that it's creator can keep creating, but music and technology are definitely converging in such a way that that's not always the case. I remain astounded and humbled that I've made a single penny off of the things I create, simply because I realize there are far more proficient musicians who work a lot harder and still have to perform for bar crowds that don't even look at them while they play.

When can we expect another album of yours coming out?

October of this year. It's called "Lasted".

Is Brazil or any country in South America part of your plans for the next tour?

Sadly no; I don't have the wherewithal or enough potential venues to justify a trip to South America with the way things are, though I have been enjoying touring a lot more than I ever expected to since venturing out for the first time last spring. Hopefully one day...

thanks!
tom

--

I'd like to, once again, thank Thomas for being so kind and thoughful. He told me he'd rather have his songs on streaming here, so I simply leave the links to his myspace and also to his official website, where it is possible to do that. At last, I also leave this video - which appears to be the shooting of some anonymous' vacation with Sous La plage playing on the background. A beautiful accidental work of art, which translates the joy that Thomas talked about on the interview, and also the nostalgia that I talked about.

A great week for you, my dear readers. Hopefully this was only the first of many interviews.
Cheers.

Música, Pantufas, Cachecóis e Chocolate Quente

2010-05-20T01:05:00.014-03:00

:: ouvindo Jeff Buckley - Mojo Pin ::

Cordas extremamente evidentes e muitíssimo bem trabalhadas; na maioria das vezes limpas, salvo por raras intervenções de uma guitarra levemente distorcida. Folk, basicamente, com toques de modernidade, exaltado por um belíssimo cello tocado pela dona da belíssima e doce voz feminina pela qual vocês se apaixonarão, meus caros, ao ouvir o Canadian Shield de Breathe Owl Breathe.

clique aqui para baixar o disco

Esta é uma descrição breve, porém bastante precisa quanto ao campo meramente musical; é isso, basicamente, que será ouvido. Apesar disso - como li de maneira semelhante no what.cd - esta descrição falha em descrever o que o som desta maravilhosa banda de Michigan causou no coração deste que vos escreve! 'Pantufas, cachecóis e chocolate quente' são palavras que, apesar de não terem relação alguma com música, acabam por descrever o Breathe Owl Breathe muito mais precisamente: um som aconchegante, delicado, até mesmo nostálgico. Bastante apropriado para estre friozinho!

Voltando ao campo musical, o cello de Andrea Moreno-Beals e o violão de Micah Middaugh conseguem, de alguma maneira, traduzir musicalmente a atmosfera lúdica das letras, seja através de suas brilhantes interações ou mesmo cada um separadamente. Só ouvindo mesmo pra entender. Há algo de infantil na maneira com que as letras são colocadas e até mesmo nas temáticas. Em Old houses, por exemplo: 'to turn this place into a house, and i'm not talking about fixing it up to sell'. Esta idealização da instituição familiar livre de contestações, junto à convicção praticamente cega no amor caracterizam a ingenuidade do pensamento de uma criança. Apesar deste apelo simples e, portanto, passível de subestimação, trata-se de uma banda contagiante e convincente em sua proposta. Em nenhum momento eles parecem pouco autênticos ou honestos, por mais 'comercial de margarina' que o som possa parecer em determinados momentos. Pode-se destacar Shovel, Kids + Cats, No No No e praticamente qualquer música do disco; não há músicas incontestavelmente melhores; trata-se de um disco que terá, mais do que a maioria dos discos em geral, seus pontos altos em diferentes músicas, dependendo do ouvinte.

Bom, é isso. Até breve.

Post dedicado a Laurinha e seu peludo namorado, Fafá.

Late Night Music - Soil & Pimp Sessions

2010-05-04T22:00:00.017-03:00

:: ouvindo The National - Afraid of Everyone ::

'It often seems to me that the night is much more alive and richly colored than the day' - Van Gogh.

Inspirado no amor deste rapaz 'supramencionado' pela noite, assim como na série Late Night Tales, tive a idéia de criar uma série sobre 'músicas noturnas' para o blog. Sem conseguir pensar em nenhum motivo bom o suficiente para ignorar a idéia, inicio a série de título extremamente original: Late Night Music. O intuito é tentar filtrar, de tudo o que se ouve por aí, aquilo que se deve ouvir depois da uma da manhã. Seria difícil estabelecer um padrão do que torna a música boa para se ouvir a noite, portanto as escolhas serão feitas intuitivamente. Depois eu penso nos porquês!

Tenho uma escolha um tanto peculiar para iniciar a série, afinal de contas, eu não poderia continuar este post todo imitando alguém. Uma banda de jazz japonesa chamada Soil & Pimp Sessions. Resumindo, eles começaram em Tokio, participaram de alguns festivais, lançaram seu primeiro cd (que foi um sucesso, levando-se em consideração o gênero), chamaram a atenção de alguns DJs e acabaram parando nas rádios da BBC. A partir daí, uma coisa levou à outra. Dizem que os caras são quentes ao vivo e eu não duvido! Os Cafetões possuem um som muito pulsante, caótico. Inicialmente, pode-se destacar o trabalho de piano e de bateria (executados por Josei e Midorin), que, de fato, são os instrumentos que solidificam este estilo. Porém, a temática do som, assim como um pouco de sua acidez podem ser atribuídas em grande parte aos rapazes que tocam sax e trompete, Motoharu e Tabu zombie. Akita Goldman toma conta do baixo e Shacho tem a curiosa função de ser o 'agitador e o espírito' da banda (fonte: site da banda - eu também não entendi muito bem, mas eu já imagino de onde vem uma gritaria danada de algumas músicas).
Achou esquisito? Eles ainda misturam alguns efeitos sintéticos, 'gritos', frases (como em um rap), o que faz o S&PS soar como um jazzy hip hop por não raras vezes. Não achou esquisito?

Ainda não achou esquisito? Desisto.

clique sobre a capa do disco para baixá-lo

O álbum que mais me chamou a atenção foi o Pimp Of The Year. Mais frenético e mais melodioso que o disco anterior, o Pimp Master. O sucesso foi uma carga de criatividade e de adrenalina para a banda. Memai é uma música que representa bem o ritmo, a força e a capacidade melódica do S&PS, e abre o disco como quem abre uma porta na bicuda! Summer Goddess tem um tema extremamente grudento e agradável, parece mais uma música pop; é um tema tão sólido que eles não têm medo de sair improvisando cada um pra um canto, como o bom jazz é feito, e acabam voltando ao 'preguento' táaaaanánanáaaaa como se nada tivesse acontecido. Crush! tem uma linha PRIMOROSA de baixo. Ha Hen, com uma temática bem delineada pelo piano, é talvez a mais cool do disco. Um grande disco para se ouvir tarde da noite, tomando um uísque, uma cerveja bitter ale, até mesmo um todinho (se você for menor de 18 anos, meu caro leitor/ferinha).

Aguardo sugestões para a continuidade desta série, assim como para o início de outras.
Cheers!

A Southern Man Don't Need Him Around!

2010-04-21T01:18:00.026-03:00

:: ouvindo Paco de Lucia - Entre Dos Aguas ::

Neil Young é um negócio que eu não sei separar da minha história... Uma pampinha azul 1.8 e a fita do meu pai que tocava todo dia depois da aula! TODO SANTO DIA! Eu não achava ruim, mas meu pai ouvia as mesmas músicas todos os dias! Like a Hurricane e Cortez the Killer, especialmente!
Quem diria que, após tanto tempo (uns bons 7 ou 8 anos), eu me tornaria um grande fã do sr. Young, a ponto de falar sobre ele aqui, onde eu reservo minhas palavras e meu tempo para aqueles que se sobressaem em meio a tudo que ouço; para aqueles que, por algum motivo, têm algo que julgo especial, seja a doçura da voz, a honestidade das letras, a habilidade com o instrumento ou o raio que seja!

O que faz de Neil Young um cara merecedor de aparecer no Anti Determinista (kkk!)? Meus caros, seria mentira se eu dissesse que a resposta não é simples, para mim: a guitarra mais crua, grosseira, simples e, desta maneira peculiar, 'classuda' que conheço! É uma crueza extrema, que 'faz Eric Clapton parecer um músico prolixo'! Além disso, uma ambientação folk/country extremamente natural, sem parecer que se está em um rodeio, mas sim em uma caminhonete GM velha no meio do Alabama com um cachorro na caçamba!
Simples assim, um cidadão que fala sobre o que vive ou viveu com clareza suficiente para transportar o ouvinte para este ambiente, por mais que o xenofóbicos do Lynyrd Skynyrd discordem de mim em Sweet Home Alabama: 'a southern man don need him (N. Young) around'. Pode ser que Neil não seja necessário para que a vida floresça no sul dos EUA, mas, certamente, ele é um dos que descreveu este lugar maravilhoso com mais fidelidade, poesia e musicalidade de todos. Por mais canadense que ele seja.

Dois discos, em especial, marcam este artista e sua extensa discografia para mim: Harvest e Everybody Knows This is Nowhere. Ambos são discos do início de sua carreira solo, e são quase textbooks para o estilo que busco descrever. Enquanto EKTIN tem esta guitarra extremamente marcante, pesada, simples, fodedora de criancinhas, Harvest tem uma pegada mais folk, com um violão mais limpo e 'convencional', não menos pesado ou pedófilo.
Mas, como em toda aula de estatística, cheia de contas com letras, nada exemplos numéricos para elucidar a teoria:

Cowgirl In The Sand é uma aula de guitarra. Uma BAITA aula! A demonstração, a prova irrefutável de que é possível fazer boa música sem masturbação instrumental. Cada nota musical é academicamente colocada; cada nota é um complemento ao tom anterior. Ao mesmo tempo, a música flui com naturalidade e simplicidade que denunciam a facilidade com que foi feita. É uma música intuitiva, imprevisivelmente óbvia. A melodia vem da extensão do pensamento e da conexão sem perdas do cérebro para os dedos; música visceral. O mesmo pode-se afirmar em relação a Down By The River, também do EKTIN. Professor Doutor PhD Neil Young. Quod erat demonstrandum.

No Harvest - disco que meu pai diz que eu ouvia ainda enquanto na barriga da minha mãe - a conversa muda um pouco. Out on the Weekend começa com uma bateria conservadora, um violão discreto, uma gaita delicada, viajante e a letra: 'think i'll pack it in, buy a pickup, take it down to L.A.'. Bora pra Los Angeles? Vamo, uai. E nesta viagem (que começa pela gaita, mesmo), Neil nos mostra várias faces de sua música, indo do folk convencional com toques country/sulistas à música orquestrada! A crueza de sua música, ainda assim, permanece notável. Heart of Gold é uma música de poucos acordes, violão batido, simples; um baita clássico. Alabama - a melhor do disco para mim - resgata um pouco da guitarra do EKTIN, além de contar com um piano bastante evidente e vocais de apoio que, juntos, dão uma densidade assombrosa para o som! A força de sua música está na solidez do estilo: seja uma orquestra, um violão ou uma guitarra invocada, você sabe que é Neil Young quando ouve.

Como sempre, sinto que o som será muito mais eloquente que as palavras deste pobre que vos fala. Deixo os links do Piratebay para o Harvest e o EKTIN. A discografia dele é extensa demais pra eu ficar recomendando tudo, mas tem uns álbuns ao vivo que, se ouvidos, podem dar uma direção sobre o que ouvir em seguida.

Aproveite o som e a minha ausência enquanto as provas consumirem meu tempo...
Cheers!

Elliott Smith

2010-04-13T23:16:00.021-03:00

:: ouvindo Cat Power - Silver Stallion ::

Boa noite, meus caros. Venho, nesta semana, falar sobre Elliott Smith. Um artista extremamente hábil com o violão e as palavras, que teve uma vida bastante conturbada: questionamentos existenciais, envolvimento com drogas, uma vida pessoal de merda; ambiente extremamente fecundo tanto para a criação musical quanto para o suicídio. Ele sucedeu em ambos.

Como eu gosto de repetir, este é um blog sobre música; a parte do suicídio eu vou pular, mas não sem mencionar que ele morreu dando duas facadas no próprio peito (apesar da polêmica 'suicídio ou assassinato', na qual não acredito). Voltemos ao que interessa.
Durante sua carreira, sua musicalidade foi se transformando, foi ficando cada vez menos exclusivamente voz-violão. Mas o que realmente marcou sua carreira foi sua habilidade de fazer um show só ele e o violão em meio ao cenário grunge/paulera/porrada! que predominava na época. Não acredito que fui enfático o suficiente. O KURT COBAIN RESPIRAVA nessa época, porra! Mudhoney, Nirvana, Pearl Jam... Até mesmo o próprio Elliott Smith ficou surpreso quando uma fita com 8 músicas - gravada com gravador e violão emprestados - essencialmente compostas por voz e violão foram aceitas por uma gravadora. E não como um single de 7", mas como um disco! Nascia assim o Roman Candle, cujo sucesso ofuscaria a banda anterior de Smith, Heatmiser, a ponto de causar seu fim.

Acho que o que eu quis dizer é que a parte mais relevante, sobre a qual vos falarei, é a parte em que o violão e voz são mais evidentes e exclusivos. Fazendo música desta maneira, Elliott desenvolveu um estilo extramemente forte: obscuro, urbano, depressivo, introspectivo. Algumas músicas possuem melodia trabalhada quase parnasianamente, tais como Independence Day, Tomorrow Tomorrow, Between The Bars, Condor Ave e incontáveis outras. Porém, diferente da música pop em geral, que tem sua força no distanciamento das notas músicais e no impacto com que o longo trajeto melódico é percorrido, Elliott Smith faz sua música com suavidade; a riqueza das melodias reside nas transições. Tem sempre um 'riffzinho' entre um sol e um lá menor que faz toda a diferença. É bom não confundir suavidade com monotonia, falta de ousadia ou apelo comercial; a música de Elliott Smith é livre destes males. A suavidade não implica em uma melodia simples, muito menos em algo facilmente palatável.

No campo litetário de sua música, esta suavidade é abandonada. Suas letras abordam temas delicados, que acabam refletindo bastante de sua vida conturbada. Várias canções fazem menção ao uso de drogas, mas de uma maneira extremamente inteligente, que acaba extendendo o tema para a dependência em geral - por cigarros ou por ela. O existencialismo também se faz presente em muitas letras, como a de Pictures of Me acaba representando. Com o tempo, sua habilidade com palavras foi crescendo. Um trecho de Let's Get Lost, uma das minhas favoritas:

"Well I don't know where I'll go now
And I don't really care
Who follows me there
But I'll burn every bridge that I cross
And find some beautiful place to get lost"

"Eu não faço idéia sobre onde esta ponte vai dar. Se quiser ir, vamo. Mas não tem volta." Elliott escreve como quem não tem nada a perder, que busca um caminho para seguir escolhendo rotas aleatórias. Perdido. Outra letra merece destaque, por exemplificar como poucas a habilidade do sr. Smith em urbanizar suas tramas musicais. Condor Ave:

"She took her Oldsmobile out past Condor avenue
And she locked the car and slipped past
Into rythmic quietude Lights burning
Voice dry and hoarse"

Algo simples como uma discussão seguida por uma pessoa saindo de carro para oxigenar a cabeça é narrado com familiaridade tamanha que acaba ambientando o som, acaba fundamentando parte da estética que ele criou para suas músicas. E pensar que ele fez esta com apenas 17 anos!
Alguns criticam o rumo que Elliott deu para sua carreira, rompendo aos poucos com esta estética mais minimalista e dando espaço para baterias, teclados, guitarras, assinando com gravadoras maiores, blá blá blá. Nas palavras do próprio rapaz:

"...às vezes as pessoas olham para grandes gravadoras como máquinas de fazer dinheiro. [Mas] elas são compostas por indivíduos que são pessoas reais e há uma parte deles que precisa sentir que parte de seus trabalhos é produzir e divulgar boa música."

Ok, Elliott. Mas é uma parte pequena!

Deixo links do Piratebay para os discos Roman Candle e o Either Or. Lá, você também encontra o link para a discografia completa de estúdio. Recomendo que ouça tudo, com calma, por mais que isso leve anos! E vou embora, citando aleatóriamente meu pesar pelo fim do Supergrass, banda com 17 anos de boa música.

Uma boa semana,
Cheers!

In The Aeroplane Over The Sea

2010-04-08T23:24:00.014-03:00

:: ouvindo NMH ::

Boa noite, meus caros.

Estou aqui para falar sobre um disco. Neutral Milk Hotel - In The Aeroplane Over The Sea. Um clássico. O que me faz pensar que EU, Lucas, um mero andarilho virtual, tenho autoridade pra falar sobre algo tão grandioso?

Vamos começar por Anne Frank. Inocentemente, esta garota escreveu o mais imparcial e preciso relato sobre a vida na guerra. Sua pureza, inerente à idade, não lhe permitia se fazer de vítima, ou acusar os que, de fato, eram culpados; sua tristeza, sua alegria, suas mudanças de endereço, suas perdas são todas contadas pelo prisma imparcial de uma criança. O ultraje, o juízo, o choro são naturais ao leitor.

Sinto-me limitado ao ouvir o que esta doce garota causou em Jeff Mangum. O artista é abençoado, pois é o ser que melhor expressa o que sente; talvez, o que melhor entenda o que sente. Não obstante, sua arte permite a nós, meros mortais, entender o que sentimos, e ver quão profundos nossos pensamentos podem ser. Jeff Mangum teve seu espírito tocado pelas palavras desta menina. Esta, que 'ousou' escrever sobre algo tão grandioso quanto a guerra, o fez ousar cavar nos pensamentos e sentimentos que o famoso diário despertou. Desta conexão espiritual nasce In The Aeroplane Over The Sea, e os créditos não são apenas do senhor Mangum.
Portanto, este é um relato individual sobre o que este disco causou em mim. Talvez, na cagada, eu postule sobre alguma coisa. Não é a intenção.

Musicalmente falando - afinal de contas, este é um blog sobre música - ITAOTS é um disco complexo. Eu definira como um barulhento, fuzzy folk. O disco começa com Jeff e sua Gibson semi-acústica falando sobre o rei das flores de cenoura e outras belas brincadeiras de crianças. E em meio a este ambiente lúdico, brigas de pais, lugares secretos, amor, ambição, surge uma espécie de acordeon, que aos poucos vai levar você, meu caro leitor, a um mundo que não existe. Suas únicas referências de realidade ficarão por conta do proposital desafinamento da voz de Jeff Mangum, em seus viscerais e desesperados agudos, além de sua guitarra, que por vezes emerge limpa em meio ao caos causado por guitarras protegidas por uma intransponível cortina de distorção. Até mesmo uma gaita de fole é usada pra aumentar a bagunça! O trabalho com metais é extremamente importante para ambientar o ouvinte no campo de batalha, ou mesmo no horror e no medo da iminência do combate armado. Isto sem citar os sons mais sintéticos, que dão uma ambientação extremamente macabra ao som. Nada mais adequado.

Por falar em macabro, esta é a capa do disco.

Clicando sobre a capa do disco você será direcionado ao link do Pirate Bay para este disco.

Eu precisaria de um blog para falar apenas sobre as letras deste disco. Mas o que mais me chama a atenção é o fato de que o disco fala, ou melhor, postula sobre horrores gerais, porém sempre falando apenas sobre o indivíduo. Certamente Jeff só pôde fazer isso graças ao talento natural de Anne Frank, que ingenuamente dava uma aula de história e psicologia falando apenas sobre seu dia-a-dia. Um trecho de Holland, 1945:

"Now we must pack up every piece
Of the life we used to love
Just to keep ourselves
At least enough to carry on"

"Agora precisamos colocar nas malas cada parte da vida que costumávamos amar, para nos mantermos o suficiente para pelo menos seguir em frente".
Percebam que este sofrimento não é exclusivo dos judeus ou dos nazistas. É este tipo de 'imparcialidade' que faz tanto o Diário de Anne Frank como este disco serem obras de arte únicas. O amor não deixa de existir na guerra, seja ela entre países ou personalidades ou idéias. Apenas uma criança, ou alguém tão ciente de seus sentimentos quanto Jeff Mangum conseguiria falar sobre isto com tamanha clareza e sensibilidade.
---

"King Of Carrot Flowers Pt. 1 deveria ser tocada em todos casamentos e funerais."

Falha Nossa

2010-02-24T16:04:00.004-03:00

:: ouvindo Girls - Lust For Life ::

Caros (e imaginários?) leitores,

Venho humildemente me desculpar perante vocês. Os Maldivos, excelente banda que entrou no nosso Top 5 de 2009, entrou lá sem merecer. Eles fizeram boa música, isto é indiscutível. O problema é aquela garota, 'aquela tal de Hope Sandoval'. She did it again! E eu ainda avisei vocês que em 2009 vinha mais paulada dela! E veio. "Carimba, Luciano!"

O problema, meus caros, é que eu me esqueci!!! Esqueci. Correria, faculdade, desculpas; não importa. Estou aqui para me retratar e falar brevemente sobre Through the Devil Softly, o mais recente álbum de Hope Sandoval & The Warm Inventions.

Em comparação com o Bavarian Fruit Bread, o novo álbum tem cordas menos evidentes (ou menos naturais, o que não tira da banda sua característica folk), uma ambientação um pouco mais sintética e de extremo bom gosto. Os vocais de apoio são extremamente bons e contribuem para este clima. Algumas músicas utilizam afinações mais baixas, o que dá ao som um aspecto sombrio e interessantíssimo: ouvir uma caixinha de música soltando notas (quase) tão tenras quanto a voz de Hope junto ao violão mais grave que o comum torna Sets The Blaze uma música incrivelmente marcante. Além desta, Wild Roses, Blanchard, There's a Willow... Tentar eleger uma favorita neste álbum é perda de tempo.

Dito isso, o Top 5, reformulado:

1- Arctic Monkeys - Humbug
2- Hope Sandoval & The Warm Inventions - Through The Devil Softly
3- Modest Mouse - No One's First And You're Next
4- Them Crooked Vultures - Them Crooked Vultures
5- Beirut - March Of The Zapotec / Holland

Eu fico me perguntando se a Hope Sandoval pretende fazer algo no mesmo nível de tudo que ela fez até hoje. Eu fico me perguntando se isso é possível...

Retrospectiva 2009

2010-01-12T15:23:00.005-02:00

Olá, meus caros e pacientes leitores! Começo esta retrospectiva com a certeza de que colocarei o que melhor ouvi em 2009. Tenho, também, a certeza de que ano que vem os escolhidos poderiam ter sido outros. Os gostos vão lentamente mudando, algumas coisas são descobertas depois de feita a lista. De qualquer maneira, alguns nomes são extremamente fortes e provavelmente não sofrerão com o tempo.

No geral, 2009 foi um bom ano, especialmente para o Rock N Roll, meio esquecido em meio as CSSsisses da vida. O Rei do Pop morreu, o que não fez diferença para mim, já que o verdadeiro Rei continua fazendo shows em cruzeiros pelo Brasil (sempre de calças compridas e aquele sorrisinho de canalha, “hehehe”).

5º Lugar: The Maldives – Listen to the Thunder

Um som muitíssimo bem trabalhado nas cordas. Um vocal poético, por vezes declamador. Guitarras que não deixam o gênero Country/Folk ser esquecido. Honrável quinto lugar!

1. Goodbye
2. Time is Right Now
3. Cold November
4. Say Nothing
5. Do You Still
6. Tequila Sunday
7. Whidbey Island Blues
8. The New One
9. Blood Relations
10. Walk Away
11. Going Home

4º Lugar: Beirut – March of the Zapotec / Holland

Difícil definir um disco com um lado A de música Mexicana e um lado B de música eletrônica! Zach Condon, como sempre, conseguiu imergir-se completamente na música Mexicana e internalizá-la, assim como fez com a música Francesa e a do Leste Europeu. No surto de gripe suína do ano passado, eu me lembro de ter visto alguns funerais Mexicanos pela TV e me lembro do quanto me assustei ao ouvir o disco, pois em alguns momentos as músicas parecem lamúrios fúnebres. Uma banda de percussão Mexicana ainda foi contratada para tocar neste disco com o Beirut, o que dá (ainda) mais autenticidade para este maravilhoso trabalho. É com dor no coração que este álbum fica apenas em quarto.

March of the Zapotec:
01 "El Zocalo" - 0:29
02 "La Llorona" - 3:34
03 "My Wife" - 2:11
04 "The Akara" - 3:54
05 "On a Bayonet" - 1:41
06 "The Shrew" - 3:44
Holland:
01 "My Night with the Prostitute from Marseille" - 3:07
02 "My Wife, Lost in the Wild" - 3:13
03 "Venice" - 4:02
04 "The Concubine" - 3:28
05 "No Dice" - 5:24

3º Lugar: Them Crooked Vultures – Them Crooked Vultures

E este álbum, meus caros, é um dos melhores motivos para que 2009 tenha sido um grande ano para o Rock N Roll; é um dos grandes presentes de 2009 para o gênero. Juntem-se Josh Homme (QOTSA), John Paul Jones (ex-Led Zeppelin) e Dave Grohl (ex-Nirvana e líder do divertido Foo Fighters), coisa ruim não poderia sair. E não saiu. Mesmo. Grohl se mostrava apreensivo nos ensaios, pois tocaria bateria com o baixista que tocou com o maior baterista de todos os tempos, John Bonham (O Moby Dick)!!! Apreensão infundada, a bateria mói sem piedade do começo ao fim do disco, uma das grandes aparições de Dave Grohl. O mais interessante foi que, apesar de músico mais renomado, o que menos deu para ouvir neste álbum foi Led Zeppelin. Mostra que Jones não quer viver do refugo de um passado glorioso e está afim de dar a cara a tapa, fazer coisas novas. Que bom!

1- "No One Loves Me & Neither Do I"
2- "Mind Eraser, No Chaser"
3- "New Fang"
4- "Dead End Friends"
5- "Elephants"
6- "Scumbag Blues"
7- "Bandoliers"
8- "Reptiles"
9- "Interlude With Ludes"
10- "Warsaw or the First Breath You Take After You Give Up"
11- "Caligulove"
12- "Gunman"
13- "Spinning in Daffodils"

2º Lugar: Modest Mouse – No One’s First and You’re Next

A prova máxima de que Johnny Marr continua em plena forma. Pode não ter sido o melhor álbum de 2009, mas certamente (e de longe, meus caros) tem a melhor música do ano: The Whale Song. Uma música torta, estranha, com uma guitarra introspectiva e angustiante – Johnny Marr provando que ainda não toca milhões de notas, mas apenas as certas! Por esta música, apenas, já seria merecido o segundo lugar, mas o álbum inteiro é bom. Apreciem.

1. Satellite Skin
2. Guilty Cocker Spaniels
3. Autumn Beds
4. The Whale Song
5. Perpetual Motion Machine
6. History Sticks To Your Feet
7. King Rat
8. I’ve Got It All (Most)

1º Lugar: Arctic Monkeys - Humbug

Este já chegou a ser uma das minhas grandes decepções deste ano. Precisei ouvir bem mais de 3 vezes até entender o que tinha havido com os macacos árticos! E eles mudaram. Não para melhor ou pior, mas não espere sair por aí tirando faíscas dos sapados dançando ao som de Dancing Shoes denovo! Eles continuam divertidos, porém ganharam um ar soturno extremamente agradável! É como se desse para perceber a influência que o deserto e Josh Homme tiveram sobre eles. Parece que estão menos afobados, tocando menos notas, utilizando mais as cordas superiores das guitarras. Minha grande satisfação de 2009, espero que você curta também.

1. "My Propeller" 3:28
2. "Crying Lightning" 3:42
3. "Dangerous Animals" 3:24
4. "Secret Door" 3:41
5. "Potion Approaching" 3:32
6. "Fire and the Thud" 3:50
7. "Cornerstone" 3:17
8. "Dance Little Liar" 4:43
9. "Pretty Visitors" 3:40
10. "The Jeweller's Hands" 5:42

A Arte de Não Saber Brincar

2009-07-22T18:18:00.012-03:00

:: Ouvindo Apples in Stereo - Green Machine ::

Hope Sandoval & The Warm Inventions - Bavarian Fruit Bread

Este post é apenas uma ratificação do que foi dito no post anterior; apenas mais uma prova irrefutável sobre o quanto Hope Sandoval não sabe brincar! Ela e Cólm Ó Cíosóig (baterista do My Bloody Valentine) fazem este disco com um apelo muito mais acústico e 'limpo' do que o de Mazzy Star, sem perder, contudo, a tristeza e a delicadeza, características da maravilhosa voz de Hope Sandoval.
'Suzanne', 'Drop' e 'Charlotte' são pontos altos, mas não inquestionáveis, já que todo o álbum merece grande atenção. 'On the Low', por exemplo, é do caralho. De qualquer maneira, deixo disponíveis a set list e o link para download deste excelente álbum, sem mais delongas. Só lembrando que em setembro sairá o novo álbum desta banda...
Cheers!

Hope Sandoval & The Warm Inventions - Bavarian Fruit Bread (link do blog American Rock Club)

01 "Drop" – 2:32

02 "Suzanne" – 4:51

03 "Butterfly Mornings" – 3:34

04 "On the Low" – 5:09

05 "Baby Let Me" – 1:32

06 "Feeling of Gaze" – 3:26

07 "Charlotte" – 4:31

08 "Clear Day" – 6:08

09 "Untitled Track" – 1:18

10 "Bavarian Fruit Bread" – 4:07

11 "Around My Smile" – 4:38

12 "Lose Me on the Way" – 7:42

Mazzy Star

2009-07-12T12:45:00.020-03:00

:: Ouvindo Olivia Tremor Control - Define a Transparent Dream ::

Hope Sandoval é a vocalista desta maravilhosa banda da década de 90, grata e tardia surpresa para este que vos fala do ano de 2009.

Com um som melancólico, pulsante, delicado, folk com low-fi, até parecido com My Bloody Valentine, só que um pouco menos 'barulhento'. Os riffs de violão e guitarra (paradoxal e fortemente destorcida, em algumas músicas) vão se misturando aos efeitos eletrônicos, que dão uma ambientação foda ao som de Mazzy Star. Uma ambientação, que, de alguma forma que não posso identificar, assemelha-se com o som do Cure. Um clima meio Allan Poe, meio Londres de madrugada, metades quase redundantes.

Hope Sandoval (apelona), então, acaba com a brincadeira. Com sua voz suave e extremamente afinada, ela termina de dar 'a cara' da banda.

O álbum She Hangs Brightly, em específico, tem como destaques as músicas 'Halah', 'Blue Flower', 'Ride It On' e 'Be My Angel'. A verdade é que ele é inteiramente bom. Sem mais, o link para download e a set list:

Mazzy Star - She Hangs Brightly

1 Halah 3:15
2 Blue Flower 3:35
3 Ride It On 3:01
4 She Hangs Brightly 6:24
5 I'm Sailin 3:13
6 Give You My Lovin' 3:50
7 Be My Angel 3:17
8 Taste of Blood 5:36
9 Ghost Highway 3:28
10 Free 3:11
11 Before I Sleep 2:10

Late Night Tales - Matt Helders

2009-07-09T01:07:00.005-03:00

"O que você ouviu que mais te influenciou na escolha de ser músico?"

É respondendo a esta pergunta que alguns DJs, músicos e bandas entraram para a série Late Night Tales. Basicamente, é feita uma compilação com as músicas que o sujeito escolhido mais gostar, músicas 'worth staying up for', finalizada pela narração de algum conto.

Neste álbum, quem responde à tal pergunta é o baterista dos Arctic Monkeys, Matt Helders. O destaque desta edição pode ficar por conta de Stooges, do tom de hip hop que caracteriza o álbum como um todo e, certamente, pela finalização, com um conto extremamente bem escrito e narrado por Alex Turner (também dos Macacos Árticos). Seguem o link e a setlist:

Late Night Tales - Matt Helders

1. Goblin - Connexion
2. Matt Helders feat Nesreen Shah - Dreamer
3. Viktor Vaughn - Vaudeville Villain
4. Yamasuki - Yama Yama
5. Zeph & Azeem - Play The Drum
6. DJ Format - Charity Shop Soundclash
7. Little Barrie - Free Salute
8. The Black Keys - Thickfreakness
9. The Stooges - Dirt
10. Johnny & The Hurricanes - Sheba
11. Modeselektor feat Puppetmastaz - The Dark Side Of The Sun
12. Mos Def - Ms. Fat Booty
13. Luniz - I Got 5 On It (Original Clean Short Mix)
14. The Coral - Grey Harpoon
15. Minnie Riperton - Reasons
16. Roots Manuva - Dreamy Days
17. Ty - Break The Lock
18. Simian Mobile Disco - I Believe
19. The Rapture - Olio
20. Alex Turner - A Choice Of Three

A Viola Caipira

2009-07-06T00:51:00.010-03:00

Caros, tenho de expressar meu pesar pelos meios através dos quais a Viola se popularizou no Brasil. Um instrumento tão genuíno, tão complexo e cheio de possibilidades, limitados a bicordes precedentes de explosões de euforia de platéias universitárias. Não, meus caros, esta não é a Viola que gostaria de lhes apresentar.

A Viola que quero apresentar é tocada por um rapaz chamado Elomar. Elomar, um cara que usa as 10 cordas da Viola, não as 4 primeiras dos bicordes universitários. Não é preciso ser um matemático indiano professor do MIT para saber que as possibilidades aumentam quando se usa 60% a mais do instrumento.
E isto seria pouco a mais. O problema é que o tal do Elomar tem um coração que não cabe dentro dele, meus caros. Não cabe, e extravasa através dos dedos, calejados pelo contato com as cordas metálicas; e das cordas vocais, que vibram ao sabor do sofrimento e da alegria com força ímpar.

Isto já seria o suficiente. Mas, meus caros, o Elomar é um sujeito que não anda com qualquer um. Então, uma vez, ele, Heraldo do Monte, Artur Moreira Lima e Paulo Moura resolveram gravar um disco, através do qual expressariam a musicalidade do brasileiro. Sem mais, as palavras do próprio Sr. Artur Moreira Lima:

"A idéia do ConSertão é mostrar o instrumentista brasileiro e sua capacidade de arranjar, improvisar, bordar, enfeitar, tecendo tramas e enredos musicais sobre temas muito ou poucos conhecidos, mas de valor musical incontestável.

A liberdade de improvisação, se empregada com discernimento, consolida a forma musical, ao invés de dilacerá-la. Esse problema arquitetural, a manutenção da forma na música com espaços para improvisos, tão temido ao començarmos os ensaios, foi se resolvendo sozinho, à medida que cada um de nós foi se acostumando à linguagem sonora dos companheiros, sentindo-se enriquecido pelas idéias dos outros, adicionando a seu próprio idioma as riquezas dialetais dos parceiros.
Outra de nossas preocupações foi estabelecer climas musicais, mais pela sugestão que pela afirmação. Daí, talvez, veio o caráter algo impressionista do espetáculo, pois cada músico teve possibilidade de explorar ao máximo sua fantasia individual, limitando-se apenas pelas fronteiras do bom gosto.
Evidentemente, vieram à tona todas as influências que tivemos em nossa formação. De músicos e de seres humanos."

Além do Consertão, disponibilizarei um disco do Elomar que hoje adquiri em Vinil por apenas R$4,00, em uma banca de colecionadores especializada em cartões telefônicos e minicraques da Coca-Cola. Como é bem dito no comercial da loteca, 'a sorte é igual para todos'. Que bom!

Consertão
Elomar Em Concerto (Sala Cecilia Meirelles)

radiohead

2009-03-24T14:44:00.008-03:00

Caros, nada pode descrever. Restringir-me-ei a colocar links para download de alguns cds.

Kid A
Hail to the Thief
Amnesiac

torrent para download da dicografia

Uma Tardia Retrospectiva

2009-01-29T19:23:00.013-02:00

::ouvindo Arctic Monkeys - If You've Found This It's Probably Too Late::

Caros, é com muito prazer que apresento a retrospectiva de 2008 do anti determinista. Biazinha, desculpe-me, mas se eu esperasse um pouco mais eu acabaria fazendo a retrospectiva do primeiro semestre de 2009!

Devo admitir que estava esperando pelo novo álbum dos Macacos Árticos (sério candidato a campeão de 2009) para postar, mas eles se atrasaram um pouquinho (assim como quem vos fala), então, sem mais, segue a lista dos 5 melhores álbuns de 2008:

The Last Shadow Puppets - The Age of the Understatement

Projeto solo do vocalista dos Arctic Monkeys Alex Turner, TAOTU é um álbum com um clima meio western, meio épico (graças a participação da London Metropolitan Orchestra), meio indie rock; só não é meio bom. Proveniente de músicas que Alex Turner e Miles Kane (membro do Rascals) fizeram, acharam boas mas não conseguiram encaixar em suas bandas, é um disco que vale a pena ser ouvido tarde da noite (também é meio, digamos, soturno) com boa companhia, especialmente se esta for etílica.

[http://www.4shared.com/file/45100264/1e67c77c/The_Last_Shadow_Puppets_-_The_Age_of_the_Understatement__2008_.html]

Little Joy - Little Joy

A amizade cantada. O projeto do baterista dos Strokes, Fab Moretti, do ex-Los Hermanos Amarante e de Binki Shapiro - cujo nome (do projeto, não da Binki, tadinha!) é uma referência ao bar na Califórnia onde eles compuseram algumas músicas e passavam um bom tempo ouvindo música e jogando sinuca - tem um clima ameno, californiano, surf music. Já me disseram que não era original, que se parecia demais com os Beach Boys. Caros, se alguma coisa soar californiano, surf music e não soar nem um pouco como Brian Wilson, isso sim seria um problema. A verdade é que Little Joy é, como diria meu amigo Tales (ou, como muito originalmente apelidado por nossos veteranos, o Créu), uma banda pra ouvir 'daquele jeito, deitado numa rede, na praia, tomando caipirinha'.

[http://www.badongo.com/file/11802710]

Portishead - Third

Terceiro disco gravado em estúdio pela consolidada Portishead, a banda transparece suas influencias de jazz com o trip hop que só eles sabem fazer. Beth Gibbons com seus vocais deprimidos e intensos, os arranjos eletrônicos mais refinados que nos álbuns anteriores e muito mais fazem de Third um álbum único, como se o Portishead houvesse digerido a si mesmo; como uma auto-influência. Só mesmo ouvindo para entender (às vezes, nem assim).

[http://sharebee.com/57b58fcb] (parte I)
[http://sharebee.com/c295ef0b] (parte II)

MGMT - Oracular Spectacular

Ignorando o ceticismo 'anti-hype' da mídia, que, por medo, acaba subestimando coisas muito boas sendo feitas ultimamente, ponho minha cara a tapa: Excelente! Muito bom mesmo, esse tal do MGMT. Uma pegada pop, - apesar da guitarra bem marcada de algumas músicas (Electric Feel, principalmente) - dançante e estranha. Não me agradou inicialmente e, caros, se não agradar a vocês também, dêem a Oracular Spectacular uma segunda chance. Com letras muito boas sobre o mundo de sexo e drogas da fama, por exemplo, o MGMT conquista seu lugar nesta retrospectiva com, talvez, o álbum mais original deste ano que se passou.

[http://lix.in/dc9ad8d7]

Cat Power - Jukebox

A versátil Cat Power, que já interpretou de Oasis a Lynyrd Skynyrd passando por Stones e Velvet Underground, ratificou esta sua característica de fazer tudo soar como uma música dela neste seu último álbum. Com músicas de Frank Sinatra, Bob Dylan, de outras pessoas e dela mesma, Jukebox foi, seguramente, o que melhor se pôde ouvir em 2008. Seu jeito grave e tristonho de cantar escondem dos mais desavisados o poder que tem sua voz. Para se entender, digamos que se o acaso tivesse feito Bob Dylan mulher, ele seria Cat Power. Ela é notadamente fã dele e fez até uma musica (Song To Bobby) em sua homenagem. 2008 mal havia começado e seu melhor álbum já fora consumado!

[http://rapidshare.com/files/82981848/catpower-jukebox.zip] ou

[http://www.mediafire.com/?m80h0mm177y]

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É importante dizer que estes foram os 5 melhores álbuns de 2008 na minha opinião. Se você está lendo este blog, ela deve valer alguma coisa, mas que fique claro que isto é apenas uma percepção pessoal sem maiores pretensões sobre o que aconteceu no mundo da música ano passado!

O Grunge Estrogenado

2008-10-28T08:42:00.013-02:00

::ouvindo Cake - Strangers in the Night::

Para quem já assistiu, o primeiro parágrafo deste post é inútil. Mas para quem não conhece a 'trilogia da vingança' de Park Chan-Wook, um coreano maluco, fica a recomendação: a violência mais sutil e mais violenta que já tive a oportunidade de assistir! Em OldBoy, filme premiado no festival de Cannes, Dae Su (vai saber como se escreve isso), protagonista, sai na porrada com uns 30 chineses (ou japoneses, coreanos, em meio a tanto sangue fica difícil distinguir) e arrebenta todo mundo, na mão, no martelo e etc! Caros, esta cena fica mais leve que salada de alface e peito de peru com creme de leite comparada a uma cena na qual não se vê uma gota de sangue: uma garota brincando com um par de asas. Vale a pena conferir, assim como os outros dois títulos da trilogia: Mr. Vingança e Lady Vingança.

Mas o que tem o Park Chan-Wook com o tal do grunge estrogenado? Para responder a esta pergunta, recorrerei à uma excelente (arriscaria dizer a melhor) representante do gênero: PJ Harvey. Seguem abaixo alguns links do álbum Rid of Me:

http://www.4shared.com/file/83929359/95dd3cc7/1993_PJ_Harvey_-_Rid_of_Me.html?s=1
(link do blog Pequenos Clássicos Perdidos)

É uma maneira muito inteligente de ser revoltado, agressivo. Não tenho absolutamente nada contra bandas de trash metal ou qualquer variação do gênero que resulte em uma gritaria danada (de fato, até gosto de algumas delas), mas é certo que para expressar o ódio alto e claro a dificuldade aumenta. Rid of Me é um daqueles álbuns que jogam a pessoa contra a cadeira em que está sentada. A cada nota proferida, dá uma sensação de que é necessário fechar os olhos para se proteger de um golpe. Li na Rolling Stone, alguns meses atrás, que até mesmo o processo de gravação dos álbuns da década de 90 era mais refinado que os de hoje em dia. Basicamente, a onda do som era mais natural, sem aplificações artificiais (isso em termos absolutamente porcos, é lógico que a explicação não se resume a isto) e desta maneira era mais fácil sentir oscilações; por isso, a cada leve surtada do Kurt Ctobain você sente uma verdadeira socada das caixas de som! Não que isso não aconteça hoje em dia, mas algumas bandas andam utilizando o artifício de ondas mais amplas para 'ocuparem o espaço' com seu som, porém muitas vezes sem o peso do som em si; somente o artifício de ondulatórias. A verdade é que fazer com que seja mais fácil perceber oscilações do som transfere a responsabilidade de 'socar' o ouvinte para a banda.

Chan-Wook e PJ Harvey (a mulherada do grunge como um todo) têm em comum a sutileza com que eles enfiam os dois pés em nossos peitos sem cair no chão; PJ, talvez, menos sutil, mas bastante moderada comparada aos machos do gênero. Ouvir o cd é uma boa maneira de acabar com essa baboseira e tirar conclusões próprias.

Sonny Rollins, Santa Gula e Ponte Brooklyn

2008-10-27T01:08:00.007-02:00

::ouvindo Sonny Rollins - Boucing With Bud::

O título acaba sintetizando o que foi meu final de semana em Sampa. 1:09 da madrugada em Ribeirão Preto e a idéia de iniciar um blog não me permitia dormir. Permitam-me pular algumas etapas de apresentação para que possamos ir ao ponto que interessa: Sonny Rollins no Ibirapuera.

Mesmo os acostumados ao jazz do mais alto nível não conseguiram não se surpreender com o vigor da apresentação do saxofonista de quase 80 anos; destes, 60 na música. Em entrevista ao Jornal da Globo, Sonny Rollins dizia que o segredo era a prática. Caros, somente sentindo aquela bateria indigesta pulsando, a guitarra contida e afinada, os solos incompreensivelmente longos (levando-se o fator idade em consideração) - ou mesmo reparando em detalhes peculiares como o lenço vermelho no bolso de sua camisa - é que se pôde constatar quanta modéstia havia naquela declaração. A qualidade da apresentação foi (é) inquestionável, já que falamos de uma lenda viva. O diferencial, ao que me parece, foi o local escolhido; por não raras vezes alguns pássaros fizeram belos arranjos que, por um capricho do acaso, soavam como um complemento ao som do quinteto. Pessoas sentadas sobre o chão, quebrando a falsa idéia terra/sujeira. Até mesmo os ambulantes vendendo bebidas 'na moita' deram um certo charme à apresentação, que, na opinião deste que vos escreve, foi o ponto máximo do evento. Parabéns à organização e obrigado ao rapaz que me serviu com uma Brahma geladíssima, essencial para curtir a escaldante manhã daquele sábado.

(Muito bem) acompanhado pela Maria Eugênia, segui rumo ao restaurante Santa Gula, na vila Madalena, onde desfrutamos de boa comida e cerveja extremamente gelada. Recomendo a todos (especialmente o arrumadinho, que é uma falta de respeito... eita coisa boa!). À tarde, mais cerveja gelada na mercearia São Pedro, também na vila Madalena. Permitam-me, novamente, omitir detalhes irrelevantes para que possamos, novamente, ir ao ponto que interessa: Ponte Brooklyn.

E como pretendo falar apenas do que interessa, vou deletar mais uma parte desta história (Cérebro Eletrônico) para falarmos do ponto alto da noite: a apresentação do National. Uma euforia contida, o monótono estimuilante; paradoxal. O vocalista Matt Berninger, não exatamente um show man, foi a caricatura deste paradoxo; ao ver uma considerável parte da platéia cantando Abel e Fake Empire, parecia não saber como reagir. E o acessório acabou se tornando essencial. A banda de abertura, no fim das contas, foi que realmente emocionou o público.

Não devemos deixar de lado, entretanto, a apresentação do MGMT. Quando achei que suas roupas estavam muito normais, o enforcamento de alguns bichinhos de pelúcia acabou externalizando esta atitude, digamos, estranha da banda, normalmente expressa pelo vestuário. As guitarras com uma pegada mais rockeira acabaram irritando alguns críticos que defendiam a pegada pop da banda como seu diferencial. Eu digo que, à exemplo do enforcamento, a estranheza consistiu em quebrar as expectativas (mesmo quanto à sonoridade). Electric Feel, Kids e Time to Pretend botaram todos pra dançar e o MGMT fechou a noite ofuscado pela magnífica apresentação do National, é verdade, mas em grande estilo.